O FINO DA MOSTRA

O FINO DA MOSTRA 2008

2008-09-29T18:14:00.006-03:00

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Redacted

2007-11-01T18:50:00.000-02:00

Palmas e vaias para Brian de Palma

Quase diferente e com argumentos mais do que desgastados, Redacted é um filme-panfleto

PEDRO CANÁRIO
O FINO DA MOSTRA

Em um checkpoint (ponto estratégico onde os militares fazem um pedágio para evitar futuros problemas) do exército americano em Samarra, Iraque, o jovem recruta Angel Salazar resolve fazer um diário audiovisual da rotina dos soldados. Sua intenção, a princípio, era fazer um documentário e usa-lo para tentar entrar numa faculdade de cinema depois que fosse dispensado de suas atividades militares.

Porém, a tropa de Sally (com ele é chamado por seus companheiros) resolve invadir a casa de uma família iraquiana para fazer sexo com a menina de 15 anos que mora ali, e acaba matando todos os moradores da casa. Logo o soldado se vê numa situação delicada: sua câmera estava lá para observar tudo, e poderia fazer com que aquela situação entrasse para a história como uma espécie de Abu Ghraib 2.

MUITAS PALMAS PARA BRIAN
Com Redacted, Brian de Palma consegue fazer quase dois filmes em um. O primeiro filme aparece como se fosse uma reportagem de um canal de TV francês sobre a base de Samarra, onde a câmera aparece apenas como mera observadora, com a função mostrar os principais acontecimentos do lugar. Este é o espaço que o diretor usa para fazer seus questionamentos sobre a guerra e sobre a situação ali apresentada; o segundo filme é justamente o vídeo do recruta Sally, que dá uma cara de documentário a Redacted, transformando a câmera em não mais uma simples observadora, mas a coloca como protagonista da maioria das situações (muitas delas não aconteceriam se não fosse por ela).

O mérito do filme está exatamente na inovação de incorporar linguagens que não são comuns a filmes de ficção e ao misturar diferentes formas de filmar. Brian de Palma justifica o Leão de Prata de direção no Festival de Veneza e mostra que diretores já consagrados ainda têm espaço para experimentar e inovar.

POUCAS PALMAS PARA BRIAN
Mesmo tendo feito dois filmes dentro de um só, Brian de Palma não consegue dividir de forma proporcional as duas "categorias". Se com a reportagem ele faz questionamentos, com o documentário de Sally ele faz discurso, atribuindo ao filme um caráter ideológico quase panfletário, apenas para divulgar a posição do diretor sobre a invasão do Iraque.

VAIAS PARA DE PALMA
Usar o filme como instrumento de divulgação de um determinado ponto de vista (mesmo que o do diretor) não é um grande problema e não chega a comprometer a película. O problema está na argumentação: de Palma se apóia em idéias que já estão muito desgastadas, e que já foram pauta de qualquer pseudo-debate de jornal.

Ao apresentar argumentos batidos, o cineasta veterano se vê tendo que usar recursos amadores, como ironizar os argumentos daqueles que discordam dele, ou fazer pouco caso da justificativa do governo americano e de alguns soldados para estarem na guerra.
Ou até mesmo chamar Sally, o homem da câmera, de abutre que está na situação, mas não faz nada para mudá-la, já que ele está apenas em busca de podridão para mostrar - argumento notadamente desgastado.

... E ENTRE VAIAS E PALMAS
Relativizando os poréns, Redacted é um filme diferente por apresentar esse formato de englobar a linguagem jornalística e de documentário num filme ficcional, e, como era de se esperar, é um filme muito bem feito. Mas, a partir do momento em que se propõe a ser trampolim para um discurso político, ou um manifesto para chamar atenção das massas, o diretor escorrega e se apóia em argumentos e técnicas de retórica cinematográficas quase adolescentes.

REDACTED
(Redacted, EUA)
Direção: Brian de Palma
Perspectiva 2007 90 min

29/10 21:20 – Cine TAM
30/10 18:10 – Cinemateca (sala BNDES)
31/10 13:30 – Cinesesc

Estômago

2007-11-01T18:43:00.000-02:00

O filme é do ator

João Miguel é um tremendo ator. Depois de chamar a atenção em Cinema, Aspirinas e Urubus (2005) e em O Céu de Suely (2006), ele ainda precisava de um filme para brilhar sozinho: o filme se chama Estômago. Assim como nos filmes em que foi revelado, João Miguel volta a interpretar um nordestino – também é um sertanejo em Mutum, outro destaque da Mostra.

Estômago se divide em dois momentos, intercalados ao longo de todo o filme: no primeiro deles, o ator interpreta Raimundo Nonato, um migrante nordestino que tenta a vida em São Paulo; no segundo, ele é Nonato Canivete, agora tentando a vida na cadeia. Logo na primeira cena do filme, em que ele conta, com humor, a história do queijo gorgonzola ao parceiro de cela, fica evidente o que virá dali em diante: um filme calcado no talento de seu protagonista.

João Miguel é quem dá um jeito nas razoáveis atuações do restante do elenco. Também cabe a ele nos fazer rir e prestar atenção a uma história sem qualquer surpresa, mas que agrada pela despretensão – Estômago tange assuntos como a situação carcerária e o submundo da prostituição sem, em nenhum momento, virar denúncia. Cabe também a ele dar uma jeito nas fracas atuações de seus colegas de cena.

Assim como seu personagem, que será bem sucedido nos dois momentos do filme devido aos dotes na cozinha, João Miguel dá o tempero para um filme que, sem ele, seria dos mais indigestos.

LUIZ FELIPE FUSTAINO O FINO DA MOSTRA

ESTÔMAGO (Brasil, 2007)
Direção: Marcos Jorge

El Otro

2007-10-31T20:36:00.000-02:00

Normal, até demais

Com um roteiro baseado inteiramente no anti-clímax, El Otro é um filme ligeiramente interessante, nada denso e extremamente entediante

PEDRO CANÁRIO
O FINO DA MOSTRA

Juan Desouza é um advogado que tem que viajar a uma cidade do interior para visitar um cliente. Tudo parece ser normal, Juan não está com pressa nem tampouco estressado, mas o passageiro que está ao lado dele no ônibus morre durante a viagem, indicando que esta não será apenas uma viagem de trabalho, mas que acontecimentos peculiares estão por vir.

Depois de resolver sua situação com o cliente, Juan diz que precisa ir embora, mas na rodoviária desiste. Resolve se hospedar num pequeno hotel, mas com outro nome, por algum motivo que o filme faz questão de não explicar, e de repente Juan se vê hospedado em outro hotel, com um terceiro nome, o que também é deixado para a interpretação do espectador.

Ariel Rotter insiste em explorar inúmeros momentos de absoluto silêncio em El Otro, e os momentos de pouca ação, sem trilha sonora não estimulam o espectador a prestar atenção no filme, que tem uma história bem menos peculiar do que qualquer sinopse possa resumir.

Talvez a completa falta de ação e o marasmo que o filme apresentam sejam uma forma de mostrar como a vida não é uma coisa certa, ou que não estamos presos pra sempre nas escolhas feitas no passado, mas sem fazer os juízos de valor comuns a Hollywood. Talvez.

O que é apresentado ao espectador é uma sucessão de pequenos fatos que não têm muita importância para o roteiro e que poderiam muito bem não acontecer e a história se desenvolveria da mesma forma. Esses pequenos fatos demoram demais (pelo menos é a sensação que se tem, já que o filme tem apenas 83 minutos) para se desenvolver, para se concluírem em nada.

O Amor nos Tempos do Cólera

2007-10-30T00:50:00.000-02:00

O amor está lá. Já a cólera...

Mesmo com muitas escolhas infelizes, o diretor se salva nos momentos cômicos de O Amor nos Tempos do Cólera

GABRIELA MAYER
ESPECIAL PARA O FINO DA MOSTRA

A cólera chegou de navio às Américas na década de 1830. Depois de matar milhares de pessoas na Europa, foi trazida também aos latino-americanos, espalhando a epidemia que provocava, entre outros sintomas, desidratação, vômitos e taquicardia.

Na Colômbia da segunda metade do século XIX, Florentino Ariza (Unax Ugalde/Javier Bardem) apresentava esses mesmos indícios, apesar de não ter passado perto da doença. O mal dele era outro: apaixonado por Fermina Daza, ele passou a vida vivendo em função do amor que sentia por ela e do qual ele nunca desiste, apesar de saber de seu casamento com outro homem, o médico Juvenal Urbino.

Em O Amor nos Tempos do Cólera, o diretor Mike Newell se esqueceu da primeira parte. A metáfora entre amor e cólera ficou perdida. O enfoque na doença, fundamental para que fosse possível compreender a comparação, foi superficial. Assim como no livro homônimo de Gabriel García Márquez, a metáfora tem que ser explicada verbalmente. Com a diferença que Newell tinha o recurso da imagem para esclarecê-la e o escritor, não.

A preocupação do diretor em ser fiel ao livro foi tanta que, além de ter ficado longo (são 138 minutos), o trabalho de Newell ficou preso aos recursos da literatura e alheio às saídas que o cinema oferece para adaptar.

Apesar de tanta fidelidade, o diretor optou por colocar seus atores, a maior parte de origem latina, para falar inglês. A grande perda dessa escolha foi nas atuações. Os atores pareceram limitados pela necessidade de falar inglês. Não que as atuações tenham sido ruins, pelo contrário. Mas pareciam ter ainda mais a oferecer. Inclusive Fernanda Montenegro, que interpreta a mãe de Florentino Ariza, dava a impressão de ter algo mais para mostrar.

Por outro lado, algumas vezes são esses mesmos atores que fazem o filme dar certo. Fermina Daza, interpretada por Giovanna Mezzogiorno, dá vida à personagem. Nos cinqüenta anos da história que são retratados, ela envelhece mais por suas expressões do que pela maquiagem.

Mesmo com uma direção problemática, o filme não fica apenas no prejuízo. Algumas perdas são compensadas pelas cenas cômicas, de um humor que até parece sem intenção, mas ainda assim incapaz de diminuir o exagero no rumo dramático da história.

O AMOR NOS TEMPOS DO CÓLERA
(Love in the Time of Cholera, EUA)
Direção: Mike Newell
Perspectiva 2007 138 min

25/10 16:50 - Cinemateca (sala BNDES)
26/10 21:30 - Cinemark Shopping Eldorado
30/10 20:10 - Frei Caneca Unibanco Arteplex 1

TROFÉU BANDEIRA PAULISTA

2007-10-29T19:11:00.000-02:00

Saiba quais são os filmes que competem ao prêmio do júri na 31ª Mostra de São Paulo.

Filmes de ficção (Competição)
A CASA DE ALICE (ALICE'S HOUSE), de Chico Teixeira / BRASIL
CORPO (BODY), de Rossana Foglia, Rubens Rewald / BRASIL
EL ORFANATO (THE ORPHANAGE), de Juan Antonio Bayona / ESPANHA
IRINA PALM (IRINA PALM), de Sam Garbarski / BÉLGICA, LUXEMBURGO, INGLATERRA, ALEMANHA, FRANÇA
LONGE DELA (AWAY FROM HER), de Sarah Polley / CANADÁ
O ANO DO PEIXE (YEAR OF THE FISH), de David Kaplan / EUA
O BANHEIRO DO PAPA (THE POPE'S TOILET), de Enrique Fernández, César Charlone / BRASIL, URUGUAI, FRANÇA
POSTALES DE LENINGRADO (POSTCARDS FROM LENINGRAD), de Mariana Rondón / VENEZUELA
TRUQUES (TRICKS), de Andrzej Jakimowski / POLÔNIA
XXY, de Lucia Puenzo / ARGENTINA, ESPANHA

Documentários (Competição)
A GRANDE LIQUIDAÇÃO (THE BIG SELLOUT), de Florian Opitz / ALEMANHA
MEU BRASIL (MY BRAZIL), de Daniela Broitman / BRASIL
O FILME DA RAINHA (THE QUEEN´S MOVIE), de Sergio Mercurio / ARGENTINA
SCREAMERS (SCREAMERS), de Carla Garapedian / REINO UNIDO, EUA
TRANSFORMARAM NOSSO DESERTO EM FOGO (THEY TURNED OUR DESERT INTO FIRE ), de Mark Brecke / SUDÃO, CHADE, EUA

A Casa de Alice

2007-10-29T17:56:00.000-02:00

Intimidade superficial

A Casa de Alice tenta mostrar o que há de mais pessoal em uma família, mas cria vários conflitos mal-resolvidos e desinteressantes

LUIZ FELIPE FUSTAINO
O FINO DA MOSTRA

É impossível falar de A Casa de Alice sem acabar sendo um estraga-prazeres, um spoiler. É a história de uma família em que todos os membros têm algo a esconder. Mas nenhum desses segredos dá início a uma boa história para se contar, o que faz com que revelá-los torne todo o filme bastante irrelevante. Na verdade, o filme se resume a criar um segredo, torná-lo público e esperar pela reação da família. Criar um segredo, torná-lo público e... assim vai.

Alice (Carla Ribas), mãe e protagonista do filme, não controla seus impulsos adúlteros, sobretudo devido à falta de sexo no casamento. O marido, Lindomar (Zécarlos Machado), tem um relacionamento com Thais, garota da mesma idade de seu filho caçula, Junior (Felipe Massuia). Edinho (Ricardo Vilaça), o irmão do meio, sempre aparece em casa com algum acessório caro, que seria incapaz de comprar com sua mesada – esconde da família os pequenos furtos que comete dentro da própria casa. Lucas (Vinícius Zinn), o mais velho, é bastante conservador – para deixar isso evidente, o filme cai na mesmice de caracterizá-lo como um oficial do exército –, mas consegue uma grana extra saindo com outros homens.

A Casa de Alice se propõe a contar uma história de uma família de classe média em seu lado mais pessoal, no que há de mais privado entre eles. Quer mostrar a casa de Alice. A proposta merece aplausos: em geral, o cinema nacional tem dificuldade em ser despretensioso - há uma nítida aversão aos pequenos problemas e uma necessidade infinita de discutir as mazelas sociais.

Mas nessa casa os pequenos delitos familiares são tantos e tão pouco explorados que não há qualquer expectativa quanto ao desfecho de cada uma das histórias.

A fraquíssima atuação do elenco também conduz a platéia ao desinteresse. Durante o filme, parece existir várias câmeras na casa de Alice e que a família está incomodada com a sua presença. Em nenhum momento fica a impressão de que a câmera não está lá, tamanha a artificialidade das cenas. Se isso é péssimo para qualquer filme, em um drama que busca revelar intimidades familiares acaba sendo fatal.

A CASA DE ALICE
(A Casa de Alice, Brasil)
Direção: Chico Teixeira
Competição | 2007 | 94 min

22/10 | 20:30 - Frei Caneca Unibanco Arteplex 3
30/10 | 17:00 - Cinesesc
31/10 | 19:00 - Cinemark – Shopping Eldorado

Bomb It

2007-10-28T09:50:00.000-02:00

A bomba da contra-cultura

Bomb It é provocador ao discutir a expansão do grafite e sua eficiência como arma de protesto

JULIO LAMAS
ESPECIAL PARA O FINO DA MOSTRA

[foto: Mariana Pasini]

A pichação não é tema incomum na história. É sabido que os romanos pichavam os muros cidade com gravuras que parodiavam a vida de aristocratas e políticos. Os gregos deixavam mensagens nas colunas do Parthenon, algo que, infelizmente, alguns turistas vândalos fazem até hoje nos ricos sítios arqueológicos. Sem falar dos nazistas que pichavam a casa dos judeus, simplesmente para facilitar a perseguição da SS e da Gestapo. E quando Reagan disse "Tear down this wall", lá estavam pichadas mensagens clamando por integração e liberdade.

Na cultura pop, dos nomes nos banheiros públicos aos nomes que estão no túmulo de Jim Morrison no Pere-Lachaise, em Paris. Na política, quando picham "viva la revolución" nas ruas da Havana de 1960, ou "fora Bush" nos prédios da Paulista nos dias de hoje, lá está. Até Costa-Gavras faz referência à pichação em Z (1961), quando manifestantes estampam a letra que simboliza "ainda vive" no asfalto, protestando contra a ditadura militar na Grécia.

E para mostrar isso, e ir além, Bomb It aborda a pichação, também como criação artística de vanguarda, o mal compreendido grafite.

Ao retratar o peso do grafite como questão para o debate público nos espaços urbanos contemporâneos, o filme elucida a sua propagação como forma de expressão e auto-afirmação. Além disso, propõe uma rasa análise das grandes metrópoles mundiais e suas contradições sociais na era da globalização.

Inicialmente, o documentário conta as origens do grafite como forma marginal de expressão na história moderna. Nos Estados Unidos, por exemplo, as pichações aparecem a partir do fim do século XIX e começo do século XX, com a vinda de imigrantes irlandeses e italianos que formavam gangues e usavam a pichação para demarcar seus territórios de controle, como acontece até hoje. Desde então, a pichação e o grafite estão associados à ascensão da criminalidade e ao vilipêndio do espaço público. Bomb It mostra como reacionários condenam o grafite para exercitar sua xenofobia e classicismo contra as minorias pobres.

Esse passado criminoso do grafite, a pichação, impede, até hoje, a sua legitimação como arte pela parte conservadora das sociedades modernas. Em Nova York e Los Angeles, o grafite ainda é combatido como crime, reprimido nas ruas e nas estações de metrô. No entanto, é evidente a sua consolidação como identidade, tanto cultural como comercial através da música e da moda hip-hop. O grafite lentamente ocupa espaço no capitalismo e nas galerias de arte.

Bomb It mostra como o grafite adquire diferentes facetas em outras cidades. Em Barcelona, assim como em Amsterdã, os grafiteiros sentem a necessidade de prosseguir com as evoluções estéticas atribuídas a compatriotas no passado. Na Cidade do Cabo, capital África do Sul o grafite se tornou num ponto de integração entre brancos, negros e crioulos, após o Apartheid. Em Tokyo, no Japão, onde o espaço público é sagrado, tenta-se colocar em pauta as questões da autonomia feminina e da emancipação cultural de maneira discreta, quase escondida.

Já a São Paulo apresentada em Bomb It é um caso a parte. A cidade é retratada como é: sem ordem e caótica. O grafite aqui se torna mais um reflexo da nossa famosa “desigualdade”, um prato cheio para os pragmáticos de plantão. A máxima fica por conta dos artistas Os Gêmeos, que ressaltam o axioma paulistano de que "aqui não se vive, se sobrevive".

O documentário provoca a excitação do público com a sua trilha sonora que vai do hip-hop e electro ao hardcore de Rage Against de Machine, aumentando e dialogando com grande impacto visual garantido pelos melhores artistas do grafite no mundo. Bomb it é uma pequena surpresa na 31ª Mostra, e um dos poucos filmes que vi sendo aplaudidos no final da sessão.

BOMB IT
(Bomb It, EUA)
Direção: Jon Reiss
Perspectiva | 2007 | 94 min

25/10 | 15:00 - Frei Caneca Unibanco Arteplex 2
27/10 | 20:40 - Reserva Cultural 1
29/10 | 19:00 - FAAP - Fundação Armando Álvares Penteado

Mutum

2007-10-27T18:49:00.000-02:00

Não é preciso dizer nada

Mutum dispensa o falatório, valoriza as atuações de iniciantes e faz incríveis imagens no sertão

MARIANA PASINI
ESPECIAL PARA O FINO DA MOSTRA

Assim como a história de Manuelzão e Miguilim, do livro Campo Geral, de João Guimarães Rosa, Mutum é todo contado pelo ponto de vista de uma criança. A obra do escritor mineiro serve de base para o filme, numa difícil tarefa de adaptação para o cinema que, no entanto, é desempenhada de forma bela e poética por Sandra Kogut. A diretora, autora de documentários intimistas como Um Passaporte Húngaro (2001) e Lá e Cá (1995), aventura-se no campo da ficção, conseguindo um resultado coeso e admirável.

A cidade que dá nome ao longa é característica dos romances de Guimarães Rosa: remota, perdida no meio do sertão mineiro, vítima da natureza implacável, que castiga os moradores de pouca fala. A escolha da diretora de usar intérpretes que vieram desse meio confere mais autenticidade ao filme: os atores estreantes de Mutum foram selecionados em João Pessoa, na Paraíba. Tiago da Silva Maris interpreta o menino de mesmo nome cuja sofrida e precoce transformação em adulto é o tema principal do longa.

Evoluindo no ritmo próprio do sertão, a história de Tiago fascina pela simplicidade e pureza com que é contada. Brincadeiras inocentes e alegres se misturam a conflitos sérios. Tentando suportar as dificuldades da vida no sertão, rumores sobre o possível adultério da mãe, o comportamento intolerante e violento do pai, o garoto é forçado a amadurecer e conviver com situações que ainda lhe são estranhas. Os problemas apareceram cedo demais, e Tiago tem de aprender a lidar com eles, mesmo que não esteja pronto.

Repletas de um realismo por vezes intrigante, as cenas de Mutum são louváveis. Um exemplo é a passagem em que os pais de Tiago discutem e partem para uma briga séria, chegam a gritar um com o outro e a derrubar pratos e copos, produzindo um barulho assustador para uma criança de 10 anos. A câmera enquadra o rosto de Tiago, mostrando as lágrimas que correm no seu rosto, e o som caótico da briga é a única evidência de um conflito. A cena não é retratada dessa forma à toa: o foco do filme são mais as reações e os sentimentos de alguém incapaz de compreender perfeitamente o que se passa à sua volta do que o ambiente em que ele vive.

A morte também entra no cotidiano do menino, mas Kogut escolhe mostrá-la de forma indireta: pela dor dos personagens. Por essa opção corajosa chega-se a episódios que dissimulam seu drama de maneira sutil, como na cena em que a avó de Tiago retira os lençóis e o colchão em que Felipe, irmão de Tiago, falecera.

Mutum também pode significar "mudo" – o título do filme traduz os silêncios de que o universo de Tiago também é feito. Ele tem de enfrentar sozinho um lugar cheio de intrigas, passando por experiências que consolidarão o caráter que irá formar. Ao mesmo tempo em que decifra esse lugar, lhe será dada a oportunidade de deixá-lo por um médico que lhe empresta seus óculos, com os quais ele enxerga muito melhor – a metáfora presente na passagem é gritante, talvez em demasia. Num final emblemático, a decisão de Tiago evidencia a maturidade que o menino conseguiu alcançar.

A realidade é expressa através das expressões e olhares dos personagens, e não por meio de diálogos ou falas, que são escassas. Fugindo de estéticas antiquadas e sentimentalistas, Kogut trata do conflito entre a inocência pueril, cheia de esperanças e desejos, e uma realidade esmagadora que reprime e confunde.

O filme venceu o prêmio oficial do júri no Festival do Rio desse ano e foi eleito o representante brasileiro na Quinzena dos Diretores do Festival de Cannes. Tratando do sertão de forma simples, sem glamour novelesco, eleição de heróis ou a separação nítida entre bem e mal, Mutum tem beleza própria.

MUTUM
(Mutum, Brasil)
Direção: Sandra Kogut
Competição | 2006 | 95 min

24/10 | 20:30 - Cine Bombril 1
25/10 | 15:10 - Espaço Unibanco de Cinema 3
28/10 | 15:30 - Cine Bombril 2

No Vale das Sombras

2007-10-27T18:42:00.000-02:00

Paul Haggis e suas fórmulas pretensiosas

No Vale das Sombras é um filme com cara de Oscar cujos bons momentos são encobertos pela sombra de seu diretor

STEFANIE GASPAR
O FINO DA MOSTRA

No Vale das Sombras narra a busca de Hank Deerfield por seu filho, Mike, que foi soldado na guerra do Iraque, mas desapareceu após retornar aos EUA. O filme tem uma ótima trama, que explora os aspectos psicológicos da guerra do Iraque. Para os pais, Mike era apenas um garoto patriota que ingressou no exército para levar a "democracia" até nações oprimidas, o mesmo argumento utilizado pelo governo americano para manter ocultos seus verdadeiros interesses. Entretanto, o filme revela aos poucos que Mike é uma pessoa muito diferente dessa imagem idealizada de "bom garoto", um homem estigmatizado pelo trauma da guerra e dono de uma consciência bastante deturpada.

O filme, em vez de apenas mostrar a situação dos soldados que voltam traumatizados do Iraque, acaba caindo no erro de tentar encontrar justificativas para tudo. Uma delas é a vontade de colocar a culpa no consumo de drogas, moralismo que a narrativa quase abraça, mas se recupera a tempo. Outro problema é tentar minimizar crimes de guerra sob a justificativa de que os soldados estavam "protegendo a pátria", o que não se sustenta de forma alguma e acaba enfraquecendo a trama. São inconsistências que o roteiro acaba corrigindo no decorrer do filme, mas a sensação ruim de moralismo acaba permanecendo.

A preocupação com a mensagem, os temas e as reflexões é latente, mas não submete as técnicas cinematográficas a uma desvalorização. A filmagem tem seus bons momentos, como o ritual matutino do pai de Mike, que arruma minuciosamente sua cama, suas roupas e seus sapatos. Ao mostrar esse ritual militar que permanece no protagonista mesmo 20 anos após sua aposentadoria, o filme diz que determinadas experiências nunca se vão. A guerra é uma delas.

Em sua obra anterior, Crash, Paul Haggis criou uma narrativa aparentemente complexa para falar do preconceito latente na sociedade norte-americana, em um filme feito sob medida para o Oscar com seu final edificante e moralista. Com No Vale das Sombras, não carregou tanto no sentimentalismo barato, mas ainda assim parece se preocupar apenas em criar filmes que a Academia americana, com seus decanos conservadores, pensará em premiar. A atuação de Tommy Lee Jones, apesar de boa, é feita sob medida para um Oscar de melhor ator.

No Vale das Sombras tem seus defeitos, mas é capaz de provocar diversas reflexões sobre a sociedade americana atual e a tendência patriótica de auto-ilusão que muitos utilizam para superar os traumas da guerra e relevar os crimes do governo. Mas é bom que Paul Haggis não se engane – sua fórmula "vou fazer um filme sobre traumas psicológicos na América para ganhar o Oscar" já está bastante desgastada e não vai suportar outras reprises.

NO VALE DAS SOMBRAS
(In the Valley of Elah, EUA)
Direção: Paul Haggis
Perspectiva | 2007 | 121 min

23/10 | 19:00 - Cinemark - Shopping Eldorado
24/10 | 21:20 - iG Cine
25/10 | 13:30 - Cinesesc

O Clube de Leitura de Jane Austen

2007-10-27T12:49:00.000-02:00

Uma Jane Austen conservadora

O Clube de leitura... tem bons momentos, mas se equivoca ao transformar a obra de Jane Austen em moralismo convencional

STEFANIE GASPAR
O FINO DA MOSTRA

O Clube de Leitura... tem como premissa a vida de várias mulheres que têm um ponto em comum: o amor pela obra literária de Jane Austen. A partir desta paixão, elas formam um clube de leitura para discutir as seis obras da escritora inglesa, agregando mais tarde três homens ao grupo – obviamente, interesses amorosos das protagonistas.

O filme, obviamente, foi feito para atrair todos os tipos de público, já que tem diversas situações engraçadas e é de fácil apelo. Entretanto, só quem leu toda a obra de Jane Austen será capaz de compreender os paralelos entre a vida dos personagens do filme e dos livros. Os diálogos do clube não explicam para o espectador quem são Marianne, Elinor, Emma, Mr.Knightley, Fanny Price, entre outros. Mesmo assim, a narrativa é capaz de prender a atenção de todos os espectadores, sem nunca ser cansativa.

Um dos grandes trunfos do filme é que ele provoca uma vontade enorme de ler todos os livros da escritora inglesa, o que acaba mantendo-o na memória das pessoas por mais tempo do que aconteceria se ele concentrasse apenas nos relacionamentos entre os personagens. Como a obra de Jane Austen é excepcional e não se esgota mesmo após releituras sucessivas, O Clube de Leitura... ganha relevância por discutir, mesmo que superficialmente, vários temas dos livros. Sem esse forte ponto de apoio, o filme não se sustentaria.

O filme, entretanto, acaba caindo no moralismo barato ao usar o nome de Jane Austen para justificar as escolhas mais conservadoras da trama. Todas as mulheres que têm problemas com seus casamentos no filme, em vez de terminá-los sem traumas e seguir com a vida, ficam eternamente no dilema volto ou não volto, fiz certo ou não... Quando Prudie está em dúvida se trai ou não o marido que não ama mais, aparece a frase "O que Jane faria?", como justificativa para a "integridade" da personagem ser mantida. Mas as situações não são, nem de longe, as mesmas. O divórcio, na época de Jane Austen, só existia caso a mulher fosse infiel. Ao defender que o casamento era a mais importante escolha da vida da mulher, portanto, a escritora não demonstrava conservadorismo, e sim um realismo que condizia com sua época. Mesmo assim ela jamais defendeu que as mulheres deveriam se acomodar e casar sem amor só por uma boa situação financeira. As mulheres contemporâneas não passam por essas privações. Transformar o pensamento de Austen em algo tão tradicional é tirar a obra de seu contexto para justificar o conservadorismo da trama de O Clube de Leitura...

Para os amantes da elegante ironia e da inteligência de Jane Austen, o filme é interessante e gostoso de assistir, embora não passe disso. Para os que não a conhecem, é uma boa oportunidade para se interessar pelos livros. Infelizmente, esse é o saldo final que o filme transmite, já que não se aprofunda nas questões dos livros de Austen, usando-os apenas como ponto de partida. Mas é inegável que O Clube de leitura... é um filme agradável e que merece, ao menos, uma pequena atenção. Que faltou a ironia mordaz de Austen no filme, isso é mais que inegável. Pena que o diretor não é nenhum Mr.Darcy...

Paranoid Park

2007-10-26T00:22:00.001-02:00

Skateboard não é crime, é chato

Com enredo intrigante, porém mal desenvolvido, Gus Van Sant enche de tédio as salas de cinema

PEDRO CANÁRIO
O FINO DA MOSTRA

Logo no começo do filme já dá pra perceber que a trama se desenvolverá a partir do diário de Alex, e ele mesmo já avisa: “não sei escrever as coisas de acordo com a ordem em que elas aconteceram”.

Em Paranoid Park, Gus Van Sant conta a história de Alex Tremain, um jovem skatista que mata por acidente um agente da segurança das imediações da pista de skate que dá nome ao filme. Porém, o episódio em que o roteiro gira em torno demora demais para acontecer, e, quando acontece, passa rápido demais.

Depois de Elefante, mais uma vez o diretor quis filmar sobre a juventude norte-americana e sua falta de perspectiva e de interesse em relação à escola e ao futuro, e é exatamente aí que está o problema: um filme sobre a falta de interesse e de ação na rotina de um adolescente torna-se inevitavelmente chato.

As cenas enfadonhas, da câmera seguindo os passos de alguns personagens pelos diferentes ambientes do filme e o clima de tédio e solidão de Last Days - Últimos Dias se repetem em Paranoid Park. Mas isso não chegaria a ser um problema se a história deixasse claro que foi feito de propósito, mas não é o que acontece. Ao espectador fica apenas a impressão de que o roteiro é mal pensado, e por isso as cenas foram estendidas à exaustão.

Van Sant tenta prender a atenção do espectador se utilizando da falta de habilidade para escrever no diário, confessada pelo próprio Alex, para fazer um roteiro não-linear e tornar o filme um pouco mais intrigante, mas tudo isso é superado pela falta de ação. Até mesmo a cena da morte brutal do segurança é extremamente parada e o que deveria ser chocante (a cena de um corpo cortado ao meio) é mostrado de forma tão banal que mal causa impacto no cinema.

Em resumo, Paranoid Park é um filme bem filmado e bem atuado, porém chato e tedioso, não recomendado para horários cruciais de sono, como depois do almoço ou durante a madrugada.

Ruptura

2007-10-26T00:05:00.000-02:00

Videoclipe de mau gosto

Ruptura insulta a inteligência do espectador ao substituir competência cinematográfica por um vídeo a-la-MTV e ainda se levar a sério

STEFANIE GASPAR
O FINO DA MOSTRA

Ruptura conta a história de Nia, um jovem que se envolve em uma briga e resolve vingar a morte de seu amigo Pulpo, ferido gravemente pelo líder de uma gangue rival, Spirit. Após a briga, Nia é mandado para uma prisão juvenil, na qual se passa grande parte do filme.

Estereótipo do filme de "mano" que tenta a todo custo ser descolado, Ruptura caracteriza-se pelo visual pretensiosamente arrojado e violento (como metáfora do mundo imprevisível das ruas) e pelo vocabulário lotado de gírias, que parecem surgir mais de um “afetamento” da linguagem natural da periferia do que de um retrato fiel ao universo dos jovens.

O filme faz questão de ressaltar o lado herói de Nia, que mesmo em sua condição de marginalidade consegue ainda preservar certos "princípios". Ele é o arquétipo típico do herói que faz coisas erradas (rouba, é agressivo, etc) mas no final é capaz de se redimir (com a dança em vez do assassinato), principalmente por amor (e essa é a única utilidade do personagem da promotora). É a trajetória de todo herói hollywoodiano, aqui repetida nos mesmos moldes. Ironicamente, não há nada menos glamouroso e hollywoodiano do que o verdadeiro cotidiano das ruas.

Apesar de ser retratado com certa superficialidade, Nia é carismático, o que ajuda o filme a conseguir certa empatia. Os demais personagens, entretanto, são tão estereotipados que é impossível levá-los a sério. O garoto socialista do centro de recuperação é o exemplo mais emblemático desse clichê: em todos os momentos possíveis ele fala algo como "Porcos capitalistas!" e coisas do gênero. A narrativa faz questão de utilizá-lo extremamente mal, dizendo que ele chegou ao centro por atirar coquetéis molotov (maior clichê comunista não há) e por rebeldia, que ele é o único que lê algo e só escuta no rádio emissoras ligadas ao socialismo, etc.

Mesmo tentando a todo custo ser um filme "descolado", Ruptura é moralista e clichê ao extremo. O final, que elege a dança e a música como possíveis “salvações” para Nia é de um didatismo enorme. Lição de moral é cinematograficamente insuportável, principalmente porquê o filme tenta construir uma narrativa que vê Nia e seu grupo com compreensão, mas no final simplesmente afirma, com arrogância: OK. Nós entendemos vocês e os achamos simpáticos, mas prestem atenção, porque nós temos as soluções para a marginalidade! A narrativa paternalista tira toda a graça que o filme teria se apenas apresentasse as situações em julgá-las.

O filme deixa de lado muitas questões que seriam muito interessantes, como o caso do melhor amigo de Nia dentro do reformatório. Ao mesmo tempo em que o garoto possui e obedece ao código de honra das ruas, ou seja, não dedurar nem fraquejar, ele tem uma moral estranha: ao ver a promotora que está tentando ajudar Nia, ele tenta estuprá-la, coisa que Nia, de acordo com a narrativa, jamais faria. O filme, entretanto, deixa essa questão de lado, em vez de aprofundar os paradoxos das situações dos internos.

A música é usada com muito mau gosto, já que parece visar afastar a atenção do espectador das imagens fracas que o filme oferece. Entretanto, a trilha sonora é contagiante e dá uma ótima sensação no final da projeção. O ritmo musical agradável acaba maquiando os inúmeros problemas do filme. Em muitos momentos vemos Nia, durante a noite, dançando em seu quarto, cena que se repete várias vezes e praticamente é o símbolo do filme. É como se todo o filme fosse um enorme vídeo clipe que antecede a seqüência final, a da vitória pela dança. E tudo que vem antes, na verdade, não tem muita importância.

XXY

2007-10-25T17:47:00.000-02:00

Você decide

Com protagonista hermafrodita, o argentino XXY busca entender como a vida é afetada pelas escolhas de cada um

LUIZ FELIPE FUSTAINO
O FINO DA MOSTRA

Cabe a Alex decidir tudo. Ao contrário de boa parte das crianças hermafroditas, que têm o pênis retirado ainda na infância, Alex (Inés Efron) recebeu dos pais o direito da escolha. Aos 15 anos, os pais acreditam ter chegado a hora da decisão para Alex.

Kraken e Suli (Ricardo Darín, sempre ele!, e Valeria Bertuccelli), os pais de Alex, vivem a incerteza da atitude que tomaram no nascimento da criança. Embora tenham cuidado dela como uma filha, também vivem com angústia esse momento que acreditam ser de escolha entre duas opções: continuar mulher ou assumir-se como homem. Mas e se o melhor mesmo não for decidir nada, deixar tudo como está?

Os dilemas de Alex e de seus pais são muito bem retratados em XXY, filme de estréia de Lucía Puenzo e que venceu o prêmio da Semana de Crítica em Cannes. Os diálogos, que acabam até forçando a barra por evitarem qualquer hipocrisia, são poucos e dão espaço a ótimos momentos de silêncio. Algumas cenas de intimidade sexual, próprias de um filme que se propõe a tratar de uma pessoa que convive com dois órgãos genitais, são brilhantes: a forma como Alex escova os dentes tem uma conotação sexual, a maneira como lida com uma amiga ainda mais nova que ela enquanto tomam banho juntas é ainda mais perturbadora.

Lucía Puenzo está sempre se referindo a decisões. Com o nascimento da criança hermafrodita, os pais decidiram se mudar da Argentina para um vilarejo no Uruguai e nunca sabem ao certo como essa mudança pôde ter influenciado no comportamento de Alex. Suli também toma uma complicada decisão ao convidar uma família de argentinos cujo pai é cirurgião plástico para um fim-de-semana em sua casa - uma decisão que irá fazer com que o filho desses argentinos também reveja sua sexualidade e se depare com decisões.

A maneira como XXY retrata o hermafroditismo, envolvendo o tema em questionamentos universais ao invés de aprisioná-lo a uma característica sexual restrita a poucas pessoas, transforma o filme em um momento de reflexão sobre as relações familiares e as intimidades sexuais de cada um. Em nenhum momento a diretora tenta explicar o que é ser hermafrodita, mas fica nítida uma busca pela compreensão de como a vida é afetada por escolhas. Lucía Puenzo tomou a decisão correta.

Condor

2007-10-25T02:30:00.003-02:00

Salvo pelos próprios ditadores

O único mérito de Condor são as confissões dos militares, ridicularizadas ao longo de todo o filme

LUIZ FELIPE FUSTAINO
O FINO DA MOSTRA

Condor são dois filmes, não um. O primeiro deles contextualiza a operação Condor, uma estratégia armada pelos militares ditatoriais da America Latina dos anos 70, sobretudo países como Argentina, Chile e Brasil. O outro traz histórias de bebês seqüestrados pelas ditaduras e que migraram de um país a outro por meio desse aparelho militar integrado. O primeiro, político e engajado, é um péssimo filme. O segundo, em que extrapola a questão política e aborda dramas familiares com certa sensibilidade, é tolerável, mas tão curto que acaba sendo também irrelevante.

O verdadeiro mérito do diretor Roberto Mader foi mostrar Jarbas Passarinho, aliado do ditador Figueiredo, assumindo a existência da Operação Condor. Mas a abordagem totalmente comprometida com a vilanização dos ditadores faz com que o documentário falte com a verdade histórica.

Mader consegue responder à pergunta "como foi a operação?", mas só é capaz de respondê-la pois aquele material, repleto de torturas, mortes e desaparecimentos, compromete apenas os réus de seu filme. O diretor evita tratar de uma pergunta crucial: afinal, por que existiram os anos de Condor? Qual seria a razão para se armar um esquema continental de repressão? Ao deixar esse assunto de lado, têm-se a impressão de que os militares são gratuitamente truculentos.

Evitar esse questionamento sinaliza um diretor comprometido com as esquerdas, vitimizadas de cabo a rabo ao longo do documentário. Para responder a essa pergunta, seria preciso mostrar atitudes violentas realizadas por aqueles em quem Mader prefere fazer um cafuné.

A ausência de um olhar autocrítico dessas esquerdas faz de Condor um documento histórico muito frágil. Por ironia do destino, são os depoimentos de Jarbas Passarinho e Manuel Contrera, aqueles que a montagem prefere expor ao ridículo, que dão algum valor ao filme. Até porque são eles os personagens realmente confrontados pelo diretor. Se também colocasse as esquerdas no banco dos réus, talvez Condor não seria tão descartável.

CONDOR
(Condor, Brasil)
Direção: Roberto Mader
Competição | 2007 | 108 min

24/10 | 21:30 - Frei Caneca Unibanco Arteplex 2
25/10 | 13:00 - Frei Caneca Unibanco Arteplex 1
01/11 | 21:10 - Frei Caneca Unibanco Arteplex 3

Um Jogo de Vida ou Morte

2007-10-25T02:30:00.001-02:00

Um filme em três sets

O remake de Um Jogo de Vida ou Morte estabelece um novo padrão de qualidade para as obras que serão refilmadas

JULIO LAMAS
ESPECIAL PARA O FINO DA MOSTRA

O diretor irlandês Kenneth Branagh - famoso por suas adaptações cinematográficas de obras da literatura clássica como Hamlet de Shakespeare e A Flauta Mágica, a ópera de Mozart - se arrisca com o moderno em seu mais recente trabalho. Trata-se de uma ousada refilmagem do cultuado Um Jogo de Vida ou Morte (Sleuth), vencedor do Tony de 1972.

Na trama, Milo Tindle (Jude Law), um jovem ator, encontra o bem-sucedido escritor de contos policiais Andrew Wyke (Michael Caine). O propósito de sua visita é convencê-lo a se divorciar oficialmente de Maggie, sua atual namorada. Sem floreios, o embate verbal e psicológico começa na porta da casa de Wyke, logo que este se vê em frente ao homem que roubou sua esposa. Enquanto conversam, os dois se estudam e atacam com ironias. Apesar do sarcasmo sádico, tipicamente inglês, a conversa possui um tom relativamente pacífico.

O escritor diz que dará o divórcio, no entanto, o dinheiro é a única razão que mantem Maggie incapaz de deixá-lo. Ele oferta para Wyke as jóias dela que se encontram no cofre de seu quarto, porém para que ele as leve é preciso que simule uma invasão. Trata-se de uma mentira para fazer Tindle cair no seu domínio e ficar vulnerável aos seus atos de crueldade e humilhação.

Os dois personagens concordam que estão num jogo de dominação e manipulação, assim estabelecem uma disputa em 3 "sets" para ver quem ficará com a mulher-troféu no final. No primeiro set, Tindle perde ao desmaiar de medo com um tiro de festim, mas volta para se vingar e ganha o segundo com seus talentos interpretativos. Já no terceiro e decisivo ato se desenrola uma disputa de elevada carga emocional entre os dois, atingindo um nível cinismo que pode ser fatal para ambos, mas que faz a platéia se divertir com as atuações inusitadas de ambos.

Inicialmente se enxerga nos dois personagens uma óbvia distinção. Um é jovem e inocente, e o outro velho e megalomaníaco. Porém, conforme os dois se confrontam e seus egos se chocam, as diferenças ficam pouco nítidas. Os interesses conflitantes acabam por torná-los iguais no caráter sádico e paranóico do jogo que se concretiza. A mulher passa a ser o de menos, e a competição é apenas pelo prazer da vingança.

É imperativo atentar para o campo de batalha, a casa de Wyke, que ajuda a construir as emoções da trama. A suntuosa mansão tem câmeras escondidas por todos os seus cômodos e saídas. Já a ostensiva decoração interior infere uma sensação intimidadora que dá identidade ao filme. A casa é um exemplo de modernidade e tudo nela é controlada por um único controle remoto que determina as condições da batalha a ser travada. O domínio sob o ambiente se torna essencial para vencer.

O criativo roteiro adaptado é assinado por Harold Pinter, vencedor do Nobel de Literatura em 2005, o que assegura alguma qualidade no texto interpretado por Jude Law e Michael Caine, que esteve também no premiado original de 1972 no papel de Tindle. Nessa primeira versão Laurence Olivier fazia o papel de Wyke.

Um Jogo de Vida ou Morte é um filme que combina a peculiaridade intelectual do roteiro com a arrojada de direção que Branagh aplica aos seus atores. Vale ressaltar que a trilha sonora é autoria do nomeado ao Oscar, Patrick Doyle, que por sua vez, assegura o constante clímax da obra. Enfim, é um ótimo entretenimento e possui todos os elementos que rendem as boas avaliações dos que assistem.

Bamako

2007-10-25T02:29:00.003-02:00

Brincando de Godard na África

Bamako herda o que há de mais chato no cinema que também remete a Marx e Glauber

LUIZ FELIPE FUSTAINO
O FINO DA MOSTRA

Melé, uma cantora de bar, está prestes a acabar seu casamento com Chaka, que está desempregado. Mas essa história de amor pouco importa. Essencial mesmo é saber que eles estão em Bamako, capital da República do Mali, e é no quintal da casa deles que acontecerá um estranho tribunal em que representantes civis se posicionam contrários às intervenções do FMI e do Banco Mundial na África.

Se a história de amor é pretexto para o filme político, o tribunal também é uma forma de representar um palanque sem ter que construí-lo ali, num quintal.

Abderrahmane Sissako, uma espécie de Godard africano, alterna personagens em sua tribuna improvisada, criticando o capitalismo, o neocolonialismo, o liberalismo e, como não poderia faltar, Bush. Com os mesmos anseios intelectuais dos franceses de 68, que hoje soam anacrônicos, Bamako cria situações em que os “opressores” sempre cometem asneiras durante o tribunal, enquanto os “oprimidos” têm momentos de glória em alguns de seus discursos.

Bamako é filme para quem gosta tanto de discursos comunistas dos mais inflamados que é capaz de agüentá-los por duas horas em uma sala escura. E não vale aplaudir no meio.

Não bastasse o excesso de discursos, ainda em sua primeira metade Bamako oferece ao espectador um constrangedor momento metalingüístico. Dentro do filme, aparece um faroeste a-la-Glauber Rocha estrelado pelo engajado Danny Glover, não à toa um dos produtores do filme. Mais panfletagem, só que com uma dose de referência cinematográfica para agradar a crítica em geral.

Não é apenas Hollywood, com seus diamantes de sangue e hotéis ruandas, que ainda não conseguiu falar sobre questões africanas sem maniqueísmos. Até mesmo um africano acaba sendo mesquinho por trás das câmeras.

Garçom

2007-10-25T02:29:00.001-02:00

A história pela história

Provando que nem só de amolações intelectuais é feito o cinema, Garçom recorre à simplicidade que dá certo

MARIANA PASINI
ESPECIAL PARA O FINO DA MOSTRA

Garçom muito provavelmente vai passar despercebido nessa 31ª Mostra. Nada de tramas que não fluem, questionamentos sem respostas ou pontos de vista obstinados. O filme do holandês Alex van Warmerdam não conta com grandes expectativas por parte da crítica e sequer tem ambições muito maiores do que contar uma história, ou melhor, a história de uma história – e é esse o seu ponto forte.

O próprio diretor encarna na pele de Edgar, homem de 50 anos que exerce a profissão declarada no título. Uma esposa doente o espera em sua casa, mas ele mantém um caso desgastado e fadado ao fim com a irritante Victoria. Edgar deseja sair de uma rotina que varia entre um tédio surreal e uma série de mal tratos contra os quais ele não faz nada. Nada muito diferente do esperado de um personagem de um longa com pretensões de ser alternativo. A variante do caso de Edgar é que ele tem acesso à pessoa que controla sua vida.

Herman é o roteirista que desenvolve os acontecimentos pelos quais passa o garçom, que chega a procurá-lo em sua casa, revoltado com o rumo que estão tomando. A esposa do escritor, Suzie, arruma grandes conflitos com o marido por conta de suas opiniões sobre o texto e muitas vezes também das modificações que nele empreende. A grande sacada metalingüística do filme não é muito original. Impossível não citar Mais Estranho que a Ficção, do diretor Marc Forster com o impagável Will Ferrell, para comparar. Porém, o longa faz mais experimentações no campo do surreal, dispensando papos-cabeça filosóficos sobre a vida e seu sentido – ou a falta dele. O espectador agradece.

Num humor pastelão que nunca falha, Edgar é agredido por vizinhos mafiosos, insultado pelos clientes no restaurante, atormentado pela amante carente, forçado a esperar minutos intermináveis para que o atendente embrulhe seu pedido. O modo pelo qual o criador trata sua criatura – que transita pelas vias do desprezo e da raiva – chega a ser cômico. O garçom é submisso até na hora em que reclama episódios mais prazerosos para o roteirista. Ele chega a conceder-lhe momentos agradáveis (mas que não duram muito) com Stella, uma mulher misteriosa.

Herman, a princípio indeciso sobre o destino de Edgar, admitindo o desastre cinematográfico que a narrativa constitui, não hesita em aplicar-lhe um fim trágico, que parece ter sido solicitado apenas para acabar com o tormento que foi escrever aquela história.

A grande vitória de Garçom está em provocar idéias no público. Van Warmerdam não convida ninguém a entrar na tela e decidir a sorte de seu personagem, mas compõe as cenas de modo que seja impossível não indagar-se sobre o futuro a ser dado ao dócil e sofrido garçom. Sem querer, o longa acaba lembrando que também os filmes podem ter os seus momentos de arte pela arte. Pelo singelo prazer de pensar e narrar uma história, é um cinema que dá vontade de fazer cinema.

GARÇOM
(Ober, Holanda)
Direção: Alex van Warmerdam
Perspectiva | 2006 | 97 min

20/10 | 19:00 – Memorial da América Latina
24/10 | 12:40 – HSBC Belas Artes 2
30/10 | 18:30 – Cine Bombril Sala 2

Sombras de Goya

2007-10-24T18:25:00.000-02:00

Um Goya fantasmagórico

Milos Forman fracassa ao tentar criar um filme capaz de transitar entre diferentes gêneros cinematográficos

STEFANIE GASPAR
O FINO DA MOSTRA

Na Espanha de 1792, com o recrudescimento da Inquisição, a jovem Inez Bilbatua, musa do pintor Francisco Goya, é acusada de heresia. O padre Lorenzo, líder do movimento que guiava a repressão comandada pela igreja, se envolve com Inez, e a partir daí a trama girará em torno do destino dos dois personagens e os desdobramentos históricos da época.

O pintor é muito mal retratado em Sombras de Goya. Apesar do trabalho excelente do ator Stellan Skarsgård, que consegue passar grande parte da expressividade do artista através do olhar, o roteiro é feito para evidenciar dois personagens: Inez e Lorenzo. Francisco Goya parece ser apenas um artifício do texto para juntar as vidas dos dois personagens. E convenhamos: isso não seria um problema se esse ponto de ligação fosse qualquer outra pessoa. Mas colocar um artista perturbador como Goya atuando apenas como catalisador é, no mínimo, provocação.

O filme transita sempre entre dois gêneros: o drama (descarado) e a farsa (e não a comédia). Explico: a intenção do filme não é fazer rir, e sim evidenciar o tom de farsa de determinadas situações (como a afirmação de Lorenzo sobre a eficácia do método de interrogatório feito pela igreja – a tortura). Mas esse tom irônico não foi desenvolvido de forma eficiente, já que só é capaz de provocar risadas advindas do ridículo. E é aí que surge, para mim, o principal problema do filme: a ridicularização excessiva (digo mais – a espetacularização) de temas seríssimos e nevrálgicos, como a Inquisição. Não há nada de engraçadinho no extermínio de inocentes promovido pela igreja na época. O tom de farsa torna-se, em vez de irônico, um propagador do mal gosto.

É importante ressaltar que não existem temas proibidos para a ironia, a farsa e a comédia. Mas é preciso de uma delicadeza e um senso irônico que nem todos conseguem alcançar. O próprio Monty Phyton fez uma sátira ao mesmo assunto do filme com o quadro The Spanish Inquisition!, que era hilário e sem toques de maus gosto – um humor negro inteligente. E é isso que falta ao filme do diretor Milos Forman.

Entretanto, o filme tem raríssimos momentos excelentes, como o a confecção de uma das gravuras de Goya. É uma cena tão interessante e mágica que é como se, pela primeira e única vez no filme, algo do espírito da obra de Goya surgisse da película. Seria absolutamente emocionante, se não fosse tão curta. Mesmo assim, são esses momentos de beleza que acabam sempre perdurando nos filmes, não importa quão fugazes eles sejam. A fotografia do filme, em alguns momentos (como na execução de Lorenzo), é capaz de capturar um pouco da atmosfera sombria das obras de Goya, e são essas poucas cenas que são capazes de criar uma imagem duradoura na mente do espectador.

O que fica para mim de positivo, fora o momento da confecção da gravura, nada tem a ver com o filme em si – são as obras de Goya mostradas durante os créditos e a abertura. Gravuras maravilhosas da Coleção Caixanova que, com certeza, poderiam dar o tom para um filme excepcional sobre a obra do artista espanhol – que, infelizmente, não é Sombras de Goya.

Drum

2007-10-24T09:16:00.000-02:00

Nem a África do Sul escapa

Repleto de maneirismos do cinema de Hollywood, Drum só é um filme sul-africano na ficha de inscrição

STEFANIE GASPAR
O FINO DA MOSTRA

Drum conta a história do jornalista Henry Nxumalo, que resolve denunciar em suas matérias a opressão e o extermínio a que estão sendo submetidos o povo negro na África do Sul do apartheid. O roteiro, apesar de batido, poderia funcionar, se não fosse baseado em emoções fáceis e estereótipos facilmente reconhecíveis. Não existem personagens, existem modelos já determinados: o jornalista “guerreiro”, que vive por uma causa, sua determinada mulher, o chefe de redação cínico mas que acaba entendendo a grandeza da causa, os amigos, etc. Nada, absolutamente nada, sai desses padrões há muito determinados no mundo dos rótulos.

Os clichês da trama são inumeráveis, além de irritantes: a trajetória do herói que luta por uma causa e serve de elemento catártico para comover o povo e levá-lo à conscientização, músicas melosas nas mortes de personagens, frases de efeito sem profundidade alguma, entre outros elementos tipicamente hollywoodianos – no que a indústria cinematográfica americana tem de pior.

A história do jornalista que tenta lutar contra as injustiças da sociedade através de denúncias e muita coragem já é, por natureza, um perigo em potencial, porque é uma imagem saturada que oferece poucos caminhos alternativos para o diretor. Considerando que o filme é uma cinebiografia, os problemas aumentam, por ser esse um gênero cinematográfico incerto; ou ele é irrelevante em relação ao personagem, ou eleva o biografado à categoria divina, ou – raramente – é capaz de alcançar um equilíbrio entre o personagem real e a esfera cinematográfica. Drum, entretanto, não é um filme que tenha esse equilíbrio, já que cai na armadilha da manipulação emocional para tentar captar a atenção do espectador.

Dizer em uma crítica que um filme é ruim porque é cheio de clichês tornou-se, ironicamente, um outro clichê, e de natureza perigosa. É preciso nomear os clichês, apontar suas idéias redutoras e pré-concebidas, na tentativa de restaurar uma visão multifacetada do mundo. O clichê extingue a diversidade, ou seja, fomenta o preconceito, e é irônico que um filme como Drum - cuja trama gira em torno do combate ao racismo - use técnicas tão conservadoras e contrárias ao ideal da diversidade. Um filme anti-preconceito que estereotipa o mundo que retrata.

Drum prometia mostrar um pouco do cinema sul-africano, suas peculiaridades, belezas e surpresas. Entretanto, o que se vê é um filme que repete todos os padrões da indústria hollywoodiana e poderia muito bem ser confundido com um filme americano.

DRUM
(Drum, África do Sul)
Direção: Zola Maseko
Seleção FESPACO 2004 104 min

19/10 15:20 Espaço Unibanco 3
24/10 14:40 Frei Caneca Unibanco Arteplex 1
30/10 20:10 Cine Olido

O Homem de Londres

2007-10-24T09:12:00.001-02:00

Belo, grave e úmido

Em P&B, O Homem de Londres é antes de tudo um arranjo de cenas esteticamente lindíssimas

GAIA GONÇALVES
ESPECIAL PARA O FINO DA MOSTRA

Indicado na categoria Palma de Ouro no Festival de Cannes deste ano, O Homem de Londres é levado numa cadência um tanto mais lenta à que a maioria dos espectadores está habituada. Assim, se nos primeiros minutos impressionam a fotografia e o clima sinistro da partitura musical, nos seguintes já nos distraímos com o ranger de poltronas e algumas tímidas desistências no cinema. Depois os diálogos são introduzidos e, devagar e delicadamente, revelam a trama.

Maloin (Miroslav Krobot) é funcionário do porto e da estação ferroviária. Ele mora numa casa simples, com a mulher – interpretada por Tilda Swinton (As Crônicas de Nárnia), toscamente dublada em húngaro – e a filha, que trabalha para ajudar na pouca renda da família. Já no início do filme, vestimos os olhos do funcionário para acompanhar uma estranha movimentação no cais: dois homens transportam uma maleta, depois brigam por ela, um deles morre no mar e o outro foge. Maloin decide recolher a maleta da água e descobre que está recheada de libras. Por meio de um inspetor que aparece na pequena cidade atrás do dinheiro, compreendemos aos poucos que o esquema se originou em um roubo. Paralelamente, observamos a vida de Maloin mudar quando ele resolve tomar atitudes e realizar desejos que a dificuldade financeira não permitia. Mas durante todo o tempo uma culpa silenciosa o acompanha.

A história é muito mais contada nos diálogos do que explicitada em imagens. Assim, se por um lado o filme provoca a imaginação, por outro exige atenção para que se aproveite a incrível sutileza das expressões dos personagens e também dos jogos de luz e sombra. Uma cena muito longa, por exemplo, mostra o rosto da mulher de um dos ladrões chorando sem que para isso mexesse um único músculo.

Aos possíveis desertores fica o aviso: vale a pena resistir até o fim do enredo complicado e da forma narrativa que tanto se difere da nossa cultura, e deixar o cinema se sentindo encharcado pelo mar húngaro de O Homem de Londres.

O HOMEM DE LONDRES
(A Londoni Férfi, Hungria/França/Alemanha)
Direção: Bela Tarr
Perspectiva | 2007 | 135 min

20/10 | 15:10 – Cine Bombril 1
21/10 | 21:00 – HSBC Belas Artes 2
27/10 | 18:00 – Memorial da América Latina

4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias

2007-10-23T11:12:00.000-02:00

Falta de ar

Perturbador, 4 Meses... compartilha com o público a angústia de sua protagonista

LUIZ FELIPE FUSTAINO
O FINO DA MOSTRA

Num quarto de hotel, Otilia, Gabita e Sr. Bebe olham-se nos olhos. Elas não conheciam o Sr. Bebe (Vlad Ivanov), contratado para dar fim à gravidez de Gabita (Laura Vasiliu), jovem estudante que divide seu quarto em uma república com Otilia (Anamaria Marinca). Uma relação de confiança precisa ser estabelecida em minutos – a vida de Gabita está nas mãos de um senhor que está prestes a realizar um aborto, prática ilegal e duramente condenada na Romênia ainda socialista ao fim dos anos 80. Tudo isso em um quarto pequeno, com a porta fechada.

Até chegar a essa cena, o espectador já atravessou um bom trecho de 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias. Mas o quarto de hotel e a conversa entre os três é a chave do filme. O diretor e roteirista Cristian Mungiu consegue criar durante o filme inteiro um clima perturbador, em que a claustrofobia representa a situação de um país fechado para balanço.

4 Meses... foi o vencedor da Palma de Ouro em Cannes nesse ano. Assim como seus antecessores, traz uma discussão política ao longo do filme. Porém, consegue contar uma ótima história sobre a angústia que não é mero pretexto para falar de comunismo. A decadência da ditadura de Nicolau Ceausescu não é retratada gratuitamente.

Cristian Mungiu, aliás, não é adepto das cenas gratuitas. Nada é desnecessário em 4 Meses..., um filme que acerta no tempo das cenas, que sabe fazer longos planos-seqüência sem ser pedante e que conta uma história com excepcional fluidez. Ou seja, um filme excelente.

4 MESES, 3 SEMANAS E 2 DIAS
(4 Luni, 3 Saptamani Si 2 Zile, França/Romênia)
Direção: Cristian Mungiu
Perspectiva | 2007 | 113 min

23/10 | 20:00 Frei Caneca Unibanco Arteplex 3
24/10 | 22:20 Cine Bombril 1
28/10 | 15:20 Espaço Unibanco 3

Viagem a Darjeeling

2007-10-23T01:50:00.000-02:00

Os excêntricos Whitmans

Wes Anderson repete a fórmula da comédia familiar, mas sempre com uma boa dose de criatividade

PEDRO BELO
O FINO DA MOSTRA

Separados desde o funeral do pai, os irmãos Whitman se encontram na Índia para uma jornada espiritual de conciliação. O manda-chuva da viagem é o irmão mais velho Francis (Owen Wilson), que se sente o chefe da família, decidindo inclusive o que os irmãos mais novos vão comer. Peter e Jack (Adam Brody e Jason Schwartzman) são os mais novos, cada um com suas paranóias. Três personagens que exalam um humor tragicômico muito particular.

Enquanto Francis planeja um minucioso itinerário para que cheguem ao mosteiro onde mora sua também excêntrica mãe (Anjelica Huston), Peter e Jack escondem segredos de seu irmão mais velho. Peter será pai em breve, o que não lhe parece bom. Jack ainda está muito ligado a um relacionamento frustrado. Até mesmo Francis tem seus segredos. Confinados por horas na mesma cabine de trem, suas diferenças e angústias começam a vir à tona.

Com diálogos quase literários e uma trilha sonora genial, Viagem a Darjeeling é uma história séria e engraçada, tudo ao mesmo tempo. O diretor Wes Anderson utiliza muito bem as ausências de diálogos, contando com as ótimas expressões dos três atores protagonistas.

Por ser um como um roadmovie que trata ao mesmo tempo de uma questão familiar - onde a solução de uma adversidade da jornada depende exclusivamente da resolução de conflitos pessoais- o filme talvez lembre um pouco os indicados ao Oscar Pequena Miss Sunshine e Transamerica. De fato, até a fotografia dos três títulos é semelhante. Viagem a Darjeeling, entretanto, ganha por apresentar personagens ainda mais complexos e intrigantes, donos de uma excentricidade divertidíssima.

Para quem viu outros filmes de Anderson – se gostou ou não, pouco importa - vale a pena ver Viagem a Darjeeling pelo estilo próprio do diretor, que se supera, construindo um filme reflexivo de humor refinado.

VIAGEM A DARJEELING
(The Darjeeling Limited, EUA)
Direção: Wes Anderson
Perspectiva | 2007 | 91 min
[antecedido pelo curta Hotel Chevalier, de Wes Anderson. 13 min.]

23/10 | 19:00 iG Cine
25/10 | 16:50 Unibanco Arteplex 1
28/10 | 21:30 Cinemark Shopping Eldorado

As Crianças Perdidas de Buda

2007-10-23T01:40:00.000-02:00

Um monge não tão zen

Apesar do argumento batido e da filmagem apática, As Crianças Perdidas de Buda se salva pela singularidade de seu protagonista

STEFANIE GASPAR
O FINO DA MOSTRA

As Crianças Perdidas de Buda, documentário holandês que participa da competição da Mostra, deixa o espectador com uma sensação neutra sobre suas características cinematográficas, já que o que está em evidência é a mensagem, e não a forma. O diretor não inovou no tema, pois muitos já falaram sobre histórias envolvendo monges budistas empenhados em fazer o bem. Entretanto, o personagem escolhido pelo cineasta é um trunfo, já que ele é uma figura carismática e que foge aos padrões convencionais: um monge que ensina a seus noviços boxe tailandês não só como uma forma de estabelecer um encontro entre o corpo e a mente, e sim como pura maneira de se defender.

O monge, ao presenciar uma briga e ser chamado de “louco”, surpreende ao partir para cima do aldeão, imobilizá-lo e sentá-lo no chão para que ele aprenda a dialogar em vez de brigar. Com um sorriso amplo, ele prova que sabe ser severo e que não é o estereótipo do monge “zen”.

Entretanto, o filme peca ao não estabelecer um foco à história: é mencionado inúmeras vezes que as péssimas condições de vida dos povoados deve-se ao uso excessivo de drogas e à exploração dos traficantes. O público espera que essa situação seja explicada e pormenorizada pelo documentário, o que nunca acontece. Se esse fato é tão crucial e tão próximo ao protagonista, já que o monge é constantemente ameaçado por traficantes, é essencial que os fatos sejam mostrados ao espectador.

Algumas opções de filmagem são duvidosas: tentar ilustrar a calma e a plenitude do monge focalizando formigas e gotas de chuva não é uma escolha de muito bom gosto. Mesmo com vários problemas em relação à estética, o filme é capaz de passar sua mensagem com muita eficiência, chamando a atenção do público para a alegria que o monge traz às crianças que acolhe. As Crianças Perdidas de Buda, assim, cumpre, em parte, seu papel como obra documental, mesmo que careça em ousadia e recursos cinematográficos.

O filme ganhou vários prêmios, como documentário estrangeiro no American Film Institute Festival e o Crystal Film no Festival de Cinema da Holanda, mas não é inovador e interessante a ponto de justificar essas premiações, nem os aplausos que se seguiram à sua exibição no Espaço Unibanco 3, dia 19.

AS CRIANÇAS PERDIDAS DE BUDA
(Buddha's Lost Children, Holanda)
Direção: Mark Verkerk
Competição | 2006 | 96 min

19/10 | 13:30 Espaço Unibanco 3
21/10 | 12:30 Frei Caneca Unibanco Arteplex 3
31/10 | 20:50 Frei Caneca Unibanco Arteplex 1

A Última Hora

2007-10-22T01:55:00.000-02:00

Você é mais esperto que um aluno da 5ª série?

A Última Hora é uma versão cinematográfica daquelas apresentações em Powerpoint que você recebe aos montes por e-mail

LUIZ FELIPE FUSTAINO
O FINO DA MOSTRA

Você está lendo seus e-mails quando aparece uma mensagem com o título "Pense Nisso". Ou então "Pobre Planeta". Além do seu nome, outros quinhentos estão na lista de destinatários da mensagem. Junto a ela, segue anexa uma apresentação em Powerpoint, dessas bem toscas, que combinam recortes fotográficos com frases de efeito. Geralmente, você demora uns três minutos para chegar até o último slide e voltar ao trabalho. Agora imagine que uma dessas apresentações durasse duas horas.

Leonardo DiCaprio, o principal discípulo do Nobel da Paz Al Gore, é quem produziu essa demorada apresentação de slides em que convida Stephen Hawking para dizer que "a Mãe Natureza está pedindo socorro" ou então chama Mikhail Gorbatchev para lembrar-nos que, "em um universo tão grande, o homem não pode pensar que é superior a todas as outras espécies". Cientistas, onguistas, jornalistas dos cadernos ambientais, todos eles passam duas horas repetindo tudo aquilo que você já ouviu nas aulas de ecologia da 3ª série.

Por combinar seqüências de fotografias padrão com monólogos de acadêmicos, que aparecem sempre num cenário de estúdio com fundo azul, A Última Hora não é cinema. Não é nem mesmo um programa de televisão - quem transmitiria duas horas ininterruptas de baboseira?

Nem mesmo as intervenções de DiCaprio durante o filme garantem um quê cinematográfico. Muito pelo contrário. Sempre que aparece, a câmera focaliza o ator (no caso, o apresentador do filme, se é que isso existe) e deixa o plano de fundo, que é geralmente uma bela paisagem natural, desfocado. Um recurso idêntico ao utilizado pelo programa Globo Ecologia nas inserções do ator (e apresentador de TV, isso sim existe) Cláudio Heinrich – a comparação é inevitável, até porque os dois atores são parecidos.

Embora tudo o que seja dito no filme seja o óbvio, e que se trocássemos os cientistas que prestam depoimentos por artistas engajados o resultado seria o mesmo, um equívoco gravíssimo merece ser ressaltado: não há espaço para os especialistas que discordam da visão apocalíptica de que estamos "na última hora", de que se não fizermos nada agora, terá sido tarde demais. Só se dá voz aos que seguem a trilha de Al Gore.

A Última Hora é um spam. Assim como as mensagens de e-mail indesejadas, que agora já vão direto para o lixo eletrônico, esse filme não deveria sequer ter sido selecionado para a Mostra. Sobretudo porque não é cinema.

Quatro vezes Gael, o cara da Mostra

2007-10-22T01:10:00.000-02:00

Ele recusa Hollywood. Alguns gostam de chamá-lo de Rodrigo Santoro argentino – muitas vezes, o Rodrigo Santoro que deu certo. As mulheres não têm dúvida: ele é um gato. Os homens também não: ele é baixinho. Gael García Bernal, ou só Gael, é o grande nome da Mostra desse ano. Quatro filmes apresentam seu nome nos créditos: O Passado, Déficit, Sonhando Acordado e Cochochi.

ENSAIO
MARIANA PASINI
ESPECIAL PARA O FINO DA MOSTRA

[Veja mais fotos de Mariana Pasini >>]

CRÍTICAS
O Passado, de Hector Babenco. [por Pedro Canário]
Déficit, de Gael García Bernal. [por Luiz Felipe Fustaino]

QUANDO VER GAEL
22/10 | 15:10 DÉFICIT. Cinesesc
24/10 | 22:10 O PASSADO. Cinesesc
25/10 | 18:50 COCHOCHI. Unibanco Arteplex 1
26/10 | 15:10 DÉFICIT. Cinemateca – sala BNDES
26/10 | 18:10 O PASSADO. Cine Bombril 1
28/10 | 16:30 COCHOCHI. HSBC Belas Artes 2
28/10 | 19:00 O PASSADO. Cinemark – Shopping Eldorado

[Gael é o produtor de Cochochi, mas não está no elenco do filme.]

Déficit

2007-10-22T01:05:00.000-02:00

Gael no prejuízo

Bom ator, mas péssimo diretor. Feitas as contas, Gael García Bernal justifica o nome de seu primeiro filme

LUIZ FELIPE FUSTAINO
O FINO DA MOSTRA

Sempre que está em boas mãos, Gael não decepciona. Prova disso é que, embora não tenha uma carreira com tantos filmes assim, todos conhecem Gael, "o cara da Mostra" desse ano. Mas depois de trabalhar com alguns nomes importantes do cenário latino – Pedro Almodóvar (Má Educação), Alejandro González Iñarritu (Amores Perros e Babel), Alfonso Cuarón (E Sua Mãe Também...) e Walter Salles (Diários de Motocicleta) – Gael García Bernal resolveu se aventurar por trás das câmeras. Um fiasco.

A culpa não é da trama, idealizada por ele e outros colegas mexicanos – na estréia de Déficit aqui na Mostra, Gael disse que a idéia do filme surgiu de um “chiste”, uma piada.

Aproveitando-se da ausência dos pais, que estão em outro país devido a acusações de corrupção, Cristóbal (Gael García Bernal) e sua irmã Elisa (Camila Sodi) convidam seus amigos para uma festa na mansão de veraneio da família. Cristobal se encanta por uma jovem argentina, Dolores (Luz Cipriota), e sempre que sua namorada, Mafer (Ana Serradilla), o chama ao celular pedindo ajuda para encontrar o local da festa, ele passa as coordenadas erradas para evitar que ela chegue a tempo.

Além desse micro-conflito amoroso de Cristóbal, vários outros ilustram reflexões sobre a juventude contemporânea: o protagonista não consegue ser aprovado para um MBA em Harvard, não se conforma com o problema na descarga do banheiro, incomoda-se com a proximidade entre Dolores e Adán, o filho do jardineiro da casa.

Todos esses "transtornos pequeno-burgueses" de Cristóbal serão utilizados de maneira crítica em Déficit, que tenta, sempre que pode, deixar clara qual é a luta de classes dos novos tempos. O filme tem dois núcleos: os convidados da festa e os empregados da mansão. Enredo típico de filme politicamente corretíssimo, mas que acerta ao evitar a separação entre heróis e vilões.

Porém, se a intenção do filme é causar algum incômodo – reação claramente obtida no polêmico Tropa de Elite –, o objetivo vai por água abaixo. E o motivo é simples: o filme não tem diretor. Assim como o personagem de Gael tenta desorientar a namorada, que nunca consegue encontrar a mansão, tanto as atuações quanto o próprio roteiro sentem falta de alguém para guiá-los.

Déficit não é um filme cansativo, nem monótono, mas quando acaba, fica a sensação de que está faltando alguma coisa. Essa coisa tem nome: diretor.

DÉFICIT
(Déficit, México)
Direção: Gael García Bernal
Competição | 2007 | 79 min

19/10 | 21:00 Cine Bombril 1
20/10 | 19:30 FAAP
22/10 | 15:10 Cinesesc
26/10 | 15:10 Cinemateca – sala BNDES

Mais Gael. Além de O Passado e Déficit, dois filmes comentados em O Fino da Mostra, Gael García Bernal também protagonizou o filme Sonhando Acordado, de Michel Gondry (Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças), exibido no primeiro fim-de-semana da Mostra – talvez passe novamente na repescagem.

Além de ator e diretor, Gael aproveita sua superexposição na Mostra para trazer também seu lado produtor. Ele produziu Cochochi, a história de dois meninos indígenas do noroeste do México que se perdem ao comprar remédios a um parente – o filme é falado na língua da tribo local.

COCHOCHI. Direção: Israel Cárdenas e Laura Amelia Guzmán
25/10 | 18:50 – Unibanco Arteplex 1
28/10 | 16:30 – HSBC Belas Artes 2

Estamos Juntos

2007-10-21T17:25:00.000-02:00

Escrito por Julia Almeida Alquéres, o poema Das bocas de Ágape tem como base o filme Estamos Juntos, que foi exibido pela primeira vez neste sábado.

JULIA ALMEIDA ALQUÉRES
ESPECIAL PARA O FINO DA MOSTRA

Das bocas de Ágape

Da solidão
Das bocas fortes,
Das peles rígidas,
Fez-se Ágape.

Todos de pé em dentes brancos
Enquanto balançam os lábios mornos
São os órfãos sul-africanos de Ágape.

Mbali está cantando
“Eu sou sete anos de idade”
Mbali, da voz maior
Da boca mais grave
Do corpo que vira estrelas
Enquanto as músicas são gravadas

“Disseram que tem comida gostosa no avião”
Estamos juntos
“Disseram que tem um trem que corre debaixo da terra”
Querem cantar na Inglaterra
Tem mais bocas clamando por Ágape

E de repente as vozes ficam mudas,
Surdas.
Da boca resta o lábio seco,
Foi-se a claridade dos dentes.
Foi-se Sifiso, doente.
Foi-se a casa, incendiada.

Estamos juntos
Dá-se a sorte grande
Todos os lábios tremeluzentes em Londres.

Ágape, a caixinha de música sul-africana.

Hora de alumiar Ágape
Refaz-se o canto
E há harmonia entre breu e luz,
Lábios e dentes em bocas infantis africanas.

Estão todos juntos
E no cinema, também, fez-se Ágape.
E as imagens, os sonhos,
também versos cantantes.

ESTAMOS JUNTOS
(We Are Together, Inglaterra)
Direção: Paul Taylor
Competição | 2006 | 86 min
[no Festival do Rio, foi exibido com o título Estamos Todos Juntos]

Sinopse. A vida não tem sido fácil para Slindile Moya, uma menina de 12 anos, e para seus irmãos e amigos do orfanato de Agape, na África do Sul, onde a maioria das crianças perdeu seus pais vítimas da Aids. Mas eles ainda são crianças e adolescentes, batendo e brigando uns com os outros. E quando começam a cantar em voz alta, algo de extraordinário acontece. (retirado do site oficial da Mostra)

20/10 | 15:50 Cine Bombril Sala 2
25/10 | 19:00 FAAP [entrada franca, chegar com antecedência]
27/10 | 21:10 CineSesc

Screamers

2007-10-21T17:15:00.000-02:00

Batalha por reconhecimento

Screamers discute o genocídio através do primeiro exemplo do século XX: a Armênia

PEDRO BELO
O FINO DA MOSTRA

Em 1939, pouco antes da invasão da Polônia pelos nazistas, Adolf Hitler teria se perguntado em um de seus discursos: "Quem se lembra hoje do extermínio dos armênios?". Ainda hoje, quase setenta anos depois, a resposta é a mesma. Muitos não se lembram. Outros nunca ouviram falar.

A pergunta retórica de Hitler faz referência ao genocídio armênio, praticado entre 1915 e 1923 pelo governo turco. Estudiosos apontam que o holocausto armênio teria sido uma enorme “inspiração” para a limpeza étnica do ditador nazista. O holocausto alemão matou cerca de 6 milhões de judeus. O então Império Turco Otomano assassinou cerca de 1 milhão e meio de armênios. Há uma diferença notável entre os dois genocídios: a grande maioria dos nazistas foi à julgamento e foi condenada por seus crimes de guerra. O governo turco nunca reconheceu seus crimes e nunca foi julgado.

Este é o pano de fundo de Screamers. A jornalista Carla Garapedian utiliza imagens fortes, relatos de estudiosos e especialistas e depoimentos tristes de sobreviventes dos mais diversos massacres do século XX para construir um verdadeiro tratado sobre o conceito de genocídio. O documentário mostra como o holocausto armênio foi precursor de uma série de massacres escondidos e camuflados como "conflitos étnicos". Fica clara a intenção de evitar, através do reconhecimento do massacre, que tragédias históricas como o que aconteceu na Armênia, se repitam.

Por isso, Garapedian trata principalmente da batalha pelo reconhecimento do genocídio armênio pela sociedade mundial e acompanha a luta dos ativistas para conseguir que o governo turco pague por seus crimes. Entre os ativistas estão os integrantes da banda System of a Down, todos de origem armênia. A jornalista acompanhou a banda em uma turnê pela Europa em 2005 - ano em que o genocídio completou seu nonagésimo aniversário – e apresenta em seu filme a banda e suas opiniões sobre o incidente que marcou para sempre a história do povo armênio.

Apesar de ser um prato cheio para os fãs do System of a Down, o documentário passa longe do gênero musical. Não é nenhuma novidade que a banda seja engajada em questões políticas e sociais, mesmo assim, é uma boa oportunidade para conhecer de perto o empenho de seus integrantes na batalha pelo reconhecimento dos crimes de genocídio praticados pelo governo turco. Uma batalha travada dentro e fora dos palcos, que enfrenta a resistência, a omissão e o desconhecimento do resto mundo. Screamers mostra a agonia de povos massacrados que ainda não tiveram seus julgamentos de Nuremberg.

SCREAMERS
(Screamers, Inglaterra/EUA)
Direção: Carla Garapedian
Competição | 2006 | 91 min

21/10 | 19:00 Cine Bombril 1
23/10 | 21:00 Unibanco Arteplex 2
28/10 | 13:30 Espaço Unibanco 3

22/10 | 19:00
CLUBE DA MOSTRA
Shopping Frei Caneca – 5º andar

Debate :: O GENOCÍDIO ARMÊNIO
Carla Garapedian (diretora de SCREAMERS)
Eileen Thalenberg e Gail Mcintyre (diretora e produtora de A LONGA VOLTA PARA CASA)
Lusine Yeghiazarian (Letras USP)

Em Paris

2007-10-21T09:00:00.000-02:00

Paris, eu me deprimo

Dois irmãos protagonizam Em Paris. Entre o sofredor e o romântico, o filme dá (infelizmente) mais espaço ao irmão amargurado

LUIZ FELIPE FUSTAINO
O FINO DA MOSTRA

Depois de se separar de Anna, com que vivia no interior da França, Paul (Romain Duris, à direita na foto) volta para a casa do pai, onde também mora Jonathan (Louis Garrel, à esquerda), seu irmão mais novo. Enquanto Paul, depressivo, lembra a todo o tempo do suicídio da irmã e não para de pensar na ex-mulher, Jonathan se aventura em três rápidos affairs ao longo de um único dia. Mas entre o sofrimento de um e o divertimento de outro, sobressai o primeiro.

Christophe Honoré tem dificuldade em contar uma história de amor. Por carregar a tinta no drama de Paul, o diretor faz com que o humor infantil de Jonathan não seja acolhido pela platéia. Com isso, erra o foco: das duas tramas, que acontecem paralelamente durante a maior parte do filme, despreza aquela que poderia render um filme brilhante.

Ambos os personagens têm uma dose elevada de heroísmo no sangue. Quando algumas cenas começam a aproximar o espectador da intimidade de cada um dos irmãos, há sempre uma atitude sobrehumana e inverossímil de algum deles. Chega uma hora em que essas interferências heróicas esgotam a paciência de quem assiste ao filme.

Nouvelle Vague. Em Paris é uma homenagem aos diretores da Nouvelle Vague, sobretudo a Truffaut. A cena em que Jonathan e uma de suas "vítimas", a última delas, conversam após a transa é referência explícita ao filme Domicílio Conjugal, o quarto episódio com o personagem Antoine Doinel, alter-ego de Truffaut (ver fotos abaixo). Um detalhe: Domicílio Conjugal foi lançado em 1970, ano em que nasceu o diretor Christophe Honoré.

As referências à nova onda francesa são tantas que fazem com que o espectador familiarizado com esse período fique tentando adivinhar qual é o diretor homenageado em cada cena – em grande parte, isso acontece porque o filme tem a infeliz capacidade de dispersar quem assiste a ele.

Ainda bem que Honoré não herda de Godard seu engajamento político, mas sim a montagem e a armadilha de fazer com que um dos personagens converse com o espectador, olhando diretamente para a câmera – numa das cenas, o diretor faz uma provocação ao maoísmo anacrônico de Godard, quando a mãe de Paul diz a ele que "brincar de camponês não é fácil".

Para que servem tantas referências? Para nada. É mera homenagem.

EM PARIS
(Dans Paris, França/Portugal)
Direção: Christophe Honorè
Perspectiva | 2006 | 93 min

21/10 | 19:00 - Shopping Morumbi Cine TAM
27/10 | 21:00 - Cine Bombril Sala 1
30/10 | 18:50 - CineSesc

Canções de Amor. Em Canções de Amor (2007), que também será exibido na Mostra e que foi indicado à Palma de Ouro desse ano, Honoré parece consertar os equívocos de Em Paris: é um filme mais alegre – e são nos raros momentos de alegria que Em Paris vai bem. E também traz como protagonista o intérprete de Jonathan, Louis Garrel.

Coisas da Mostra...

2007-10-20T14:39:00.000-02:00

- Ontem (sexta-feira 19), o filme As Crianças Perdidas de Buda, no Espaço Unibanco 3, teve um atraso de mais de 20 minutos, devido a problemas com as legendas eletrônicas. Entretanto, mesmo após o início da sessão, as legendas praticamente não funcionavam e só quem sabia inglês conseguiu acompanhar o filme, legendado previamente em inglês.

- A sessão posterior do Espaço Unibanco 3, Drum, também teve muitos problemas, como uma interrupção do filme após 10 minutos de exibição e o tempo da película registrado na tela por distração do projecionista.

Gael García Bernal e Claude Lelouch conversam com espectadores

2007-10-20T11:00:00.000-02:00

Neste sábado, dia 20, a Faap será sede de bate-papos com dois grandes nomes do cinema: o diretor francês Claude Lelouch, que está sendo especialmente homenageado nessa Mostra, e o ator Gael García Bernal, que tem sua estréia como diretor entre os selecionados do festival.

Às 16:00, Lelouch estará presente para apresentar seu curta-metragem Rendez-Vous - um instigante plano-seqüência de nove minutos em que o diretor sai em alta velocidade com seu carro pelas ruas de Paris - e seu último longa Crimes de Autor.

Logo depois, às 19:30, será a vez do ator mexicano, que exibirá Déficit, primeiro filme em que assina a direção.

Depois de suas respectivas sessões, ambos estarão disponíveis para conversar com o público.

FAAP
Rua Alagoas, 903 - Higienópolis

Cashback

2007-10-20T10:00:00.000-02:00

Jovem não é adulto

Cashback repete a velha crítica sobre a função do tempo no mundo de hoje, mas ainda resta graça em seus momentos despretensiosos

PEDRO CANÁRIO
O FINO DA MOSTRA

Ben Willis é um estudante de arte no último da faculdade e acabou de terminar com sua namorada. Desde o fim do relacionamento ele não consegue pensar em outra coisa, e a preocupação é tanta que ele não consegue mais dormir. E esse quadro se mantém por dias e dias seguidos, até que ele percebe que, na verdade, sua vida foi aumentada em um terço – correspondente às 8 horas de sono.

Depois de ter entendido o que o término do namoro havia feito com sua vida, Ben tenta aproveitar esse tempo trocando suas horas de sono por leitura, pintura. Até que arranja um emprego no turno da madrugada num supermercado, onde conhece os demais personagens de Cashback, inclusive a atendente de caixa Sharon.

Apesar do aspecto adolescente que as piadinhas bobas passam no filme, o tema central é um pouco mais complexo. O diretor Sean Ellis se utiliza da insônia de Ben para discutir a influência do tempo na vida das pessoas. O tema central do filme é basicamente esse: como a vida moderna tornou todos escravos do tempo.

É quando deixa de lado a comédia adolescente para fazer critica social que Cashback deixa a desejar. Além de trazer um assunto desgastado, exaustivamente retratado no cinema, não consegue apresentar nem mesmo resquícios de originalidade em suas críticas à sociedade fast-food. Por diversas vezes são feitos pequenos comentários do tipo "use protetor solar", ou "pare, respire, preste atenção à pessoa do seu lado porque ela deve ser legal".

Porém, ainda é possível ignorar esses momentos de pretensão crítica do diretor e se divertir com a história que dá suporte ao filme. É um filme agradável, que não cansa em nenhum momento. As brincadeirinhas bestas dos amigos do supermercado e o humor tipicamente inglês deram um ar juvenil ao filme, e neutralizaram os conceitos batidos que o filme apresenta.

Império dos Sonhos

2007-10-19T10:05:00.000-02:00

STEFANIE GASPAR
O FINO DA MOSTRA

INLAND EMPIRE (em maiúsculas mesmo) é o primeiro longa-metragem de David Lynch filmado em formato digital, segundo ele uma experiência libertadora. De fato, o que se vê em INLAND EMPIRE é liberdade pura: de criação, de associação de imagens, de significados. Ao mesmo tempo em que David Lynch utiliza alusões a seu próprio léxico cinematográfico (frases que não fazem sentido inicialmente, alucinações intermináveis e até mesmo várias cenas de sua web-série Rabbits) ele não se perde em si mesmo, não se esgota – Lynch não está preocupado com fórmulas, nem mesmo com as que criou.

A história gira em torno de Nikki (Laura Dern), uma atriz que há muito tempo não tem um bom papel e que finalmente consegue ser chamada para o filme On High in Blue Tomorrows. Entretanto, Nikki começa a confundir sua vida com a de Sue, sua personagem, o que desencadeia o início do fluxo do inconsciente e o fim da narrativa linear de INLAND EMPIRE.

Não existe diferenciação visível entre sonho, memória, alucinação e realidade. Um sonho não é menos real que o nosso dia-a-dia, a memória é uma maneira de reconstruir o passado e compreender o presente e a alucinação solta os freios do inconsciente. Em suma, não existem barreiras entre o imaginário e a realidade. Tudo é real. Nenhuma dessas "categorias" do pensamento, das divisões entre o real e o construído são estanques, principalmente nos filmes de Lynch. Uma alucinação é real na medida em que faz parte não só da própria natureza não racional do ser humano como de uma sociedade saturada de imagens que são apenas simulacros da realidade.

O filme também é sobre o ato de fazer cinema – como se o filme e suas pulsões derivassem de uma força motriz caótica, na qual a realidade não organiza as imagens, dando origem às alucinações e sonhos que são a matéria prima do cinema, principalmente do de David Lynch. Fazer cinema é reunir fragmentos desse “inconsciente”, desses instintos sensoriais e, ao torná-los puramente imagéticos, transformar a película em uma força além da arte.

Quando Nikki agoniza em meio às imagens alucinantes e não sabe mais quem ela é, sua vida passa a ser uma alucinação contínua que, entretanto, torna-se real a partir da fusão entre Nikki e Sue. O método Stanislawski – o autor que incorpora o personagem, tão popular em Hollywood - chega ao extremo e mergulha no horror com a experiência de Nikki. Se o sonho, a alucinação e a memória são tão reais como qualquer outra coisa, como ordenar a realidade e torna-la inteligível?

"Um garotinho saiu de casa para brincar. Quando ele abriu a porta, ele viu o mundo. Mas quando passou pela porta criou-se um reflexo, e o mal surgiu. E o mal seguiu o garotinho". Com estas palavras, a vizinha de Nikki não só prevê muito do que acontecerá durante as filmagens de On High in Blue Tomorrows como suscita muitas questões que permeiam todo o drama de Nikki. O garotinho e seu reflexo. O homem e seu duplo. Esse duplo funcionando em dois níveis: a origem do mal é a origem do ser humano (ao se deparar com o mundo, o garotinho torna-se humano. E ao ver seu reflexo descobre o mal em si) e o duplo como princípio de operações que destroem a separação entre imaginário e real. Em suma, descobrir-se a si mesmo através do reconhecimento do duplo (que resulta de um exercício de alucinação).

Nikki descobre a essência do duplo a partir de sua fusão com Sue, quando começam suas alucinações e ela perde identidade: afinal, quem é ela? É a personagem ou o “eu” anterior ao filme? Quando, no final do filme, uma música emotiva toca e Nikki olha para a frente, finalmente seu olhar não é mais de medo diante de suas alucinações: é um semblante calmo, como se, finalmente, alucinação, sonho e realidade se reconciliassem. Tudo a partir do encontro com o outro (também seu duplo/espectador), a garota que chora assistindo Nikki pela TV e que sofre pela sua história sofrida (será a história de Nikki, de Sue, ou de ambas?). É como se, em um estágio final da experiência cinematográfica, a imagem (e, portanto, o cinema) finalmente se encontrasse com o espectador, e não existisse mais nenhuma distância entre eles. Uma simbiose total.

A liberdade total das imagens e da experiência cinematográfica que é INLAND EMPIRE, entretanto, traz um efeito inerente a quase todos os filmes de David Lynch, mas que aqui se acentua: o horror. É impossível ficar alheio às imagens torturantes e fortes, que causam uma sensação dolorosa, não voyerista, mas de co-sofrimento, de imersão na imagem. Não participar dessa agonia é estar totalmente alheio ao filme.

INLAND EMPIRE compartilha muitas características com o último longa metragem de David Lynch, Mulholland Dr. (Cidade dos Sonhos). Ambos começam com narrativas aparentemente lineares, até que há um ponto de conflito que desestrutura a história e tudo começa a se misturar e fragmentar. As fronteiras entre realidade e inconsciente se dissolvem, o que permite múltiplas sensações e interpretações. E é essa a maior força de INLAND EMPIRE, além da complexidade e liberdade de sua “narrativa”: as sensações.

Tentar entender o filme de acordo com os parâmetros tradicionais de enredo e narrativa é se perder totalmente, é procurar rotular e encaixar INLAND EMPIRE em uma categoria que não vai existir. Ir ao cinema para ver esse filme é, gostando o espectador ou não dos filmes de David Lynch, uma experiência ímpar, intrigante e reveladora. É quase como se a verdadeira função do cinema – a de ser apenas catarse e provocação – envolvesse o espectador e nunca mais o abandonasse.

Control

2007-10-19T10:00:00.000-02:00

O rock star não se humilha

Control não submete Ian Curtis ao calvário enfrentado por outros artistas em recentes cinebiografias

LUIZ FELIPE FUSTAINO
O FINO DA MOSTRA

Quando começa Control, Ian Curtis ainda não é o líder do Joy Division. Na pequena cidade inglesa de Macclesfield, Ian Curtis (Sam Riley) é um jovem que não consegue prestar atenção nas aulas de química, mas tem sensibilidade para escrever os poemas que farão com que Debbie (Samantha Morton), a namorada de seu melhor amigo, se apaixone por ele.

Enquanto é um garoto pacato e apaixonado no interior da Inglaterra, Curtis não traz nenhum desafio ao filme, nem ao espectador. É apenas quando ele aceita assumir os vocais de uma das principais bandas do pós-punk no fim dos anos 70 que Control diz a que veio. Vida de rock star, afastamento da família que constituiu com Debbie ainda muito jovem, envolvimento com drogas e groupies. Tudo isso vira rotina na vida de Ian Curtis, que apesar do êxito como músico, enfrenta um grande problema: a depressão. Mas como contar essa história, em que uma promessa musical tem sua vida comprometida, sem martirizar um ícone pop, como acontece com outros astros?

Ao contrário da maioria das cinebiografias lançadas recentemente, que definharam seus personagens até as últimas conseqüências, Control não submete seu retratado a um calvário, mesmo que o clima dramático seja progressivamente carregado ao longo do filme. Em seu primeiro longa-metragem, Anton Corbijn não o expõe ao ridículo de fazer com que tenhamos dó de todo o sofrimento que fez com que, aos 23 anos, Ian Curtis cometesse suicídio.

Missão cumprida. Control consegue conduzir o espectador em uma homenagem sincera a Ian Curtis. O jovem ator Sam Riley, que constrói um personagem cuja sobriedade é fascinante, transparece os conflitos de Curtis com sua epilepsia sem tentar cativar o público com sessões carregadas de choro e lamento.

Mas o filme desanda em outro conflito de Curtis: o amoroso. Se Control tem a proeza de escapar do clichê mais óbvio das cinebiografias, que é a desfiguração e a humilhação progressiva do personagem diante da platéia, infelizmente se aproxima dos melodramas televisivos ao situar Ian Curtis entre dois amores tão opostos: uma esposa suburbana, típica dona-de-casa, e uma groupie belga moderníssima que parece tratar seu amante como um melhor amigo.

A vida amorosa do líder do Joy Division é fundamental não só para compreender a vida e seu desfecho trágico, mas também as músicas que compôs. Mas acentuá-la da metade do filme em diante, ainda mais com a formação de um triângulo amoroso com base na fábula da mocinha da cidade e da mocinha do campo, fragiliza os verdadeiros êxitos do filme, é um tiro no pé para quem que tinha tudo para iniciar uma nova linha de biografias no cinema: a dos filmes sinceros e nem um pouco apelativos.

CONTROL
(Control, Inglaterra/EUA)
Direção: Anton Corbijn
Competição | 2007 | 121 min

19/10 | 18:40 – iG Cine
20/10 | 22:40 – Unibanco Arteplex 1
21/10 | 22:00 – Espaço Unibanco 3
24/10 | 20:40 – Cine TAM

[Leia também a crítica de Tainá Tonolli, d'O Fino da Mostra, no site de Cultura Geral da Faculdade Cásper Líbero >>]

Amigos. Corbijn e Curtis se conheceram de fato. Assim que se mudou da Holanda para a Inglaterra, o primeiro trabalho do então fotógrafo Anton Corbijn foi um ensaio do Joy Division. Quase trinta anos depois, sua estréia na direção de cinema trouxe novamente ao primeiro-plano o compositor do clássico Love Will Tear Us Apart.

Sympathy for the Devil

2007-10-19T09:54:00.000-02:00

Jean-Luc Godard não assume a paternidade de Sympathy for the Devil, cuja montagem foi feita pelos produtores à sua revelia. Por isso, fez One + One, em que não teve vergonha de dizer que é o pai. Ambos são filmes-manifesto feitos em 1968, misturando imagens da gravação da canção dos Rolling Stones com esquetes de teor político, em que se discute o comunismo, o movimento negro, o maoísmo e a necessidade de por fim à intelectualidade.

MINICRÍTICAS

Godard faz um filme chato, em que é preciso muita disciplina para não utilizar a saída de emergência antes dos créditos finais. É quase um treino: quem chega até o fim é daqueles que não entrega nenhum colega nem sob a pior das torturas. Sympathy... é uma tortura ideológica: troca os diálogos pelo discurso político, abusa de didatismo e repetição. Para te convencer de que o comunismo-marxismo-maoísmo é o melhor remédio, Godard constrói a mesma idéia em quase dez esquetes “diferentes”, intercaladas às gravações dos Rolling Stones. Torça para não implicar com a música também...
(Luiz Felipe Fustaino)

A idéia de reunir em um filme vários conceitos políticos e estéticos, intercalados pelo música simbólica dos Rolling Stones, é excelente, e Godard sabia disso. A maneira como o diretor conduz o filme, com cortes súbitos que parecem indicar preciosismo e frases feitas que beiram o pedantismo e o clichê, provam que Godard tinha um alto conceito não só da idéia central do filme como de suas habilidades cinematográficas. Infelizmente, nada disso salva Sympathy for the Devil, que causa tédio até mesmo ao cinéfilo mais empenhado e soa falso ao atribuir uma importância suprema às idéias políticas de Godard. A montagem, ao tentar transformar planos totalmente díspares em uma unidade cinematográfica, consegue desvalorizar até mesmo o ritmo contagiante da música dos Rolling Stones. Criador de obras instigantes como Acossado, Je vous salue Marie e Alphaville, Godard prova que também sabe entediar.
(Stefanie Gaspar)

Mesmo não sendo uma montagem assinada e muito menos assumida por Jean-Luc Godard, Sympathy for the Devil é um filme para fãs... do diretor. Ele tenta ser interessante e quase chama a atenção do espectador com as cenas com cara de extra de DVD das gravações do clássico dos Rolling Stones. Porém, quando começa a surgir interesse por parte da audiência, há cortes desconexos para cenas com menos sentido ainda.

Falar que a música dos Stones salva o filme, mesmo para um fã incondicional da banda, é mais do que exagerar a capacidade de composição da dupla Jagger/Richards. É um filme que dá a impressão de ter sido feito apenas para catequizar quem o vê com seus discursos político-ideológicos e para treinar técnicas de edição e montagem. É um filme pra quem tem paciência de acompanhar sessões de gravação e de ouvir discursos de palanque.
(Pedro Canário)

Nem os Rolling Stones, nem Mick Jagger, nem um irreconhecível e jovem Keith Richards salvam Godard. Nem mesmo a mistura do rock com o batuque brasileiro (Jagger e Richards teriam vindo à Bahia no ano anterior) salva Sympathy for the Devil, uma tentativa de um filme revolucionário para explicar o ano de 1968 na ótica do cineasta francês. O filme acaba por abusar das alegorias e metáforas extenuantes e faz da canção dos Stones um pano de fundo mal colocado. O discurso político apresentado é extremamente confuso e desconexo, e tortura o espectador entre as tomadas de estúdio da banda inglesa.
(Pedro Belo)

Crimes de Autor

2007-10-19T09:52:00.000-02:00

Na medida

Em Crimes de Autor, Claude Lelouch prova ser possível fazer um ótimo suspense sem violência ou tiroteios. Basta ter sutileza.

PEDRO CANÁRIO
O FINO DA MOSTRA

Crimes de Autor, o novo filme do francês Claude Lelouch, é um suspense que tinha tudo para cair no senso comum: uma série de histórias paralelas que, em algum momento, se encontram e guardam entre si pequenos mistérios em comum que parecem muito óbvios para serem motivos de preocupação.

Com um clima meio Agatha Christie, meio film noir dos anos 40, Crimes de Autor não apresenta uma única história central que se desenvolva como principal. Uma mulher que acaba de ser abandonada pelo noivo num posto de gasolina, um homem que parece estar viajando sem destino pela estrada, uma famosa escritora de romances.

Abandonada pelo namorado, Huguette se apresenta como uma mulher frágil e temperamental a Pierre, homem que acabou de conhecer em um posto de gasolina. Sem o carro (e sem o futuro marido), conta com a ajuda do desconhecido em sua viagem sem rumo. Depois que ele se apresenta como ghost-writer de Judith Ralitzer, a famosa escritora, e logo desmente esse personagem, Huguette o chama para fingir para seus pais, que moram no interior, que ele é seu futuro marido. E como sub-histórias que permeiam esses pequenos acontecimentos, há um serial killer pedófilo à solta e Judith precisa escrever seu novo best-seller, quando se vê acusada de um assassinato.

Lelouch é imprevisível ao fazer a história do filme correr paralelamente com o que parece ser a história do novo romance de Judith. Mas também é bastante eficaz em não deixar transparecer o que é realidade e o que é ficção, deixando o espectador achando que está descobrindo cada vez mais a trama do filme, embora na verdade não haja trama nenhuma a ser descoberta. A impressão final é a de que todos estão escrevendo o roteiro do filme e filmando-o junto com o diretor.

Neste thriller policial praticamente sem a presença da polícia, o que prevalece é a manipulação das histórias para que o filme não se torne previsível, se utilizando de uma única e muito eficiente arma: a manipulação dos personagens e tramas, deixando o filme quase cruel, onde cada vez que se pensa estar descobrindo alguma coisa, descobre-se também que estava enganado desde o início.

CRIMES DE AUTOR
(Roman de Gare, França)
Direção: Claude Lelouch
Retrospectiva Claude Lelouch 2007 103 min

19/10 20:50 – Unibanco Arteplex 1
20/10 16:00 – Faap
29/10 19:20 – Cinemateca – Sala Petrobrás

Ghost-director. Depois de ver seus filmes sendo recebidos sem entusiasmo pelos críticos franceses, Lelouch assinou “Crimes de Autor” como Hervè Picard. O pseudônimo só deixou de ser usado depois que o filme foi selecionado para o último Festival de Cannes. Em “Crimes de Autor”, o ghost-writer reivindica a autoria do próximo livro de Judith Ralitzer por considerar que está escrevendo sua obra-prima.

A Arte das Lágrimas

2007-10-19T09:30:00.000-02:00

O riso fica engasgado

Indicação dinamarquesa ao Oscar 2008, A Arte das Lágrimas é original, mas erra feio ao subestimar a inteligência do espectador

LUIZ FELIPE FUSTAINO
O FINO DA MOSTRA

Leiteiro em um vilarejo do interior dinamarquês, tudo o que o pai de Allan deseja é estar no centro das atenções. Quando a família se prepara para dormir, ele desce até a sala, inicia um choro fingido e ameaça cometer suicídio. A filha pré-adolescente, Sanne, vai ao encontro do pai, com quem se deita, fazendo com que ele se tranqüilize e durma em paz. A conivência da mãe acaba por conter as revoltas do filho mais velho, Asger, com essa relação incestuosa.

Com apenas 11 anos de idade, Allan alia maturidade – ao perceber a necessidade do pai em chamar a atenção para si – e inexperiência – pois não compreende exatamente o que a irmã faz para tranqüilizar o pai. Durante o velório do filho de um leiteiro rival, o pai faz um discurso que leva todos ao choro, e será Allan quem descobrirá no pai uma nova (e original) maneira de fazê-lo se sentir bem: havendo mais mortes, também aconteceriam mais velórios.

Peter Schønau Fog tem em mãos uma trama em que a ironia e o humor negro se constroem de forma espontânea, mas o diretor vive o mesmo conflito do garoto Allan: uma luta entre maturidade e inexperiência. Por um lado, tem uma idéia genial, um filme que prima pela originalidade. Por outro, deixa transparecer que A Arte das Lágrimas é seu primeiro filme.

Para realçar os traços da personalidade dos dois personagens principais (Allan e seu pai), apela para a caricatura. Quando acerta o tom do sarcasmo de algumas situações inusitadas que acontecem ao longo da história, não sabe o tempo certo de encerrá-las, tornando-se repetitivo e, pior, um estraga-prazeres.

Não existe humor negro quando quem se arrisca a criá-lo tenta evitar ao máximo os subentendidos. Com o intuito de esclarecer todas as suas piadas, a direção de A Arte das Lágrimas conduz a platéia de forma constrangedora.

A ARTE DAS LÁGRIMAS
(Kunsten at Graede I Kor, Dinamarca)
Direção: Peter Schønau Fog
Competição | 2006 | 105 min

19/10 | 17:20 – Unibanco Arteplex 1
20/10 | 16:30 – HSBC Belas Artes 2
22/10 | 20:40 – Memorial da América Latina
29/10 | 13:00 – Reserva Cultural 1

A Ilha

2007-10-19T07:55:00.000-02:00

Neve, neve, água, e mais um pouco de neve

PEDRO BELO
O FINO DA MOSTRA

A Ilha conta a história do misterioso e controvertido padre Anatoli, habitante de um monastério ortodoxo no norte da antiga União Soviética. Embora conhecido por seus "milagres", curas, exorcismos e previsões, o homem santo se considera um verdadeiro pecador, e dedica sua vida ao arrependimento e ao remorso por um grande pecado cometido na juventude.

Anatoli é um personagem interessante. Sua história começa na Segunda Guerra Mundial, na marinha soviética. Durante um confronto com soldados nazistas, o então jovem marinheiro entrega um companheiro em troca da própria vida, e, embora hesitante, o mata para poder continuar vivo. Depois de ter o barco destruído pelos alemães, Anatoli é recolhido semimorto pelos padres do monastério ortodoxo onde a história se passa.

Passados trinta anos, o velho padre em nada se parece com o marujo covarde. Passa o filme inteiro a fazer as duas únicas coisas que sabe: rezar e levantar carvão para alimentar a fornalha de sua humilde morada. Entretanto, encuca os demais padres do monastério com suas brincadeiras e piadas estranhas, e suas lições de fé, humildade e sabedoria.

O enredo daria uma história bacana, mas o cineasta russo Pavel Lounguine conduz a obra de maneira muito monótona. Não é preciso ser nenhum especialista para imaginar que o norte da Rússia é gelado, cinzento e calado. Mesmo assim, o retrato da paisagem estática (neve, água, cabanas, alguns barquinhos) é uma constante, acompanhada de uma trilha sonora inebriante, que faz dormir o mais grave dos insones. A preferência do diretor pelas cenas paradas e pela relativa ausência de diálogos objetivos, talvez seja um clichê. Ao mesmo tempo, não há outra maneira de retratar uma história religiosa que se passa num mosteiro nos confins da antiga Rússia socialista.

Para a surpresa do espectador, o filme tem um desfecho surpreendente, na medida do possível. Talvez a falta de objetividade faça esperar um final tão pouco empolgante quanto o resto do filme. É verdade, os conflitos de Anatoli são resolvidos e sua agonia pecadora é aliviada. A agonia do espectador na espera de uma conclusão antecipada, porém, persiste até o último dos 112 minutos da obra.

A ILHA
(Ostrov, Rússia)
Direção: Pavel Lounguine
Perspectiva | 2006 | 112 min

19/10 | 15:10 – Reserva Cultural 1
20/10 | 20:50 – iG Cine
21/10 | 15:40 – Cinemateca – sala Petrobrás

O Passado

2007-10-18T01:18:00.000-02:00

O passado bate à porta

Hector Babenco deixa de lado as questões sociais e parte para o campo da subjetividade

PEDRO CANÁRIO
O FINO DA MOSTRA

O Passado, de Hector Babenco, conta a história de Rimini (Gael García Bernal), um jovem tradutor que termina seu casamento de 12 anos com Sofia (Analía Couceyro), namorada dos tempos de escola. A partir daí, ele tenta recomeçar a vida por diversas vezes, mas sua ex-mulher parece se recusar a aceitar o fim de um relacionamento que tinha tudo para ser eterno.

A presença constante de Sofia causa uma série de tragédias na vida de Rimini, mas é quando ele conhece a modelo Vera, com quem começa a ter um caso, que a história ganha o tom que será mantido até o fim. É o momento em que ele acredita finalmente ter se desvencilhado de Sofia, em que assume o uso de cocaína para trabalhar e em que seus problemas de memória começam a se manifestar.

Esse é o aspecto que mais chama a atenção no filme de Babenco, baseado no livro homônimo do argentino Alan Pauls. O filme não está centrado nos relacionamentos de Rimini, ou na fragilidade deles, como pode parecer, mas sim na forma como o passado influencia diretamente o presente, e de inúmeras formas. O maior trunfo do filme é mostrar os efeitos do passado num personagem que tem problemas de memória.

Mostrar como experiências antigas voltam à tona a todo momento seria uma solução fácil, previsível. O Passado prefere abordar os relacionamentos e a passagem do tempo de forma bastante peculiar e, aproveitando-se da escuridão que permeia todo o filme, Babenco mostra como o passado bate à porta de todos. Até mesmo de pessoas como Rimini, que parecem imunes à memória.

É impossível fugir do passado. Assim que o tempo permite, ele volta, como um bloco de memória que aparece de maneira completamente independente da vontade. Ou, como resume a frase final do filme Está tudo iluminado de Liev Schreiber, “Tudo está iluminado com a luz do passado”. No caso de O Passado, tudo está um tanto quanto obscuro.

Atenção: Liberados os ingressos na Central da Mostra

2007-10-17T17:12:00.000-02:00

A Central da Mostra, no Conjunto Nacional, liberou a retirada dos ingressos para quem já adquiriu pacotes. Hoje, quarta-feira, é possível retirar os ingressos de sexta, sábado e domingo. Na quinta, estarão disponíveis também os ingressos para a segunda-feira.

Pacotes de 40 ingressos acabam hoje

2007-10-16T16:40:00.000-02:00

JULIO LAMAS
ESPECIAL PARA O FINO DA MOSTRA

Os pacotes de 40 ingressos devem ser os próximos a se esgotar. Espera-se que acabem ainda hoje, terça-feira.

Depois da disputa por pacotes de 20 ingressos, que acabaram ainda no sábado, e dos pacotes de 40, o especial também é um dos mais requisitados. Ele dá direito a uma credencial restrita a sessões de segunda à sexta e que têm início até às 17:55. De acordo com a organização da Mostra, espera-se que os últimos especiais sejam vendidos nessa quarta-feira à tarde.

Os pacotes integrais, mais caros e que permitem acesso a todas as sessões, ainda sobram para os interessados.

+++

Relembrando... Apenas os titulares da assinatura da Folha de S. Paulo terão direito a desconto de 15% nos pacotes integral e especial. Caso um titular compre o pacote, um acompanhante também poderá comprar seu pacote com o mesmo desconto.

Paciência. Uma das reclamações mais constantes se refere à demora para efetuar a compra dos pacotes por meio de cartões de débito.

Entenda as seções

2007-10-16T16:11:00.000-02:00

Para organizar os quase 500 filmes que serão exibidos, a Mostra é organizada em seções (mostras secundárias). Este ano, a divisão é entre Perspectiva, Panorama Brasil, Retrospectiva Jean-Paul Civeyrac, Seleção Claude Lelouch, Seleção FESPACO e Sessões Especiais.

Perspectiva. Seleção de filmes internacionais que pretende mostrar o que de mais interessante foi feito nos dois últimos anos. É a maior seção, com 256 filmes. Destes, 106 filmes competem pelo voto do público - a chamada Competição de Novos Diretores. A competição é só entre filmes de diretores que estejam apresentando o primeiro ou segundo filme. Após a exibição, quem assistiu pode votar e, ao final da Mostra, o eleito recebe o Prêmio do Público. Perspectiva também apresenta curtas e médias metragens.

Panorama Brasil. Dedicada exclusivamente às produções nacionais. Exibe longas, médias e curtas-metragens e grande parte é do gênero documentário. Neste ano, serão exibidos filmes de diretores experientes, como Toni Venturi, Helvécio Ratton, e Eduardo Coutinho. Para quem não é tão experiente assim, há a Competição de Novos Diretores.

Retrospectiva Jean-Paul Civeyrac. O cineasta francês nunca teve nenhuma de sua obras exibidas no Brasil, mas já participou da competição no Festival de Cannes e foi premiado no Festival de Belfort. Serão exibidos 6 longas e 2 curtas.

Seleção Claude Lelouch. Depois de ter assinado a direção de 50 filmes, Lelouch, também francês, ganhou espaço na Mostra, com 8 longas. Destaque para Um Homem, Uma Mulher, que ganhou Oscar de melhor filme estrangeiro e Palma de Ouro. O diretor também aproveita para lançar seu novo filme, Crimes de Autor, que participou do último Festival de Cannes.

Retrospectiva Jia Zhang-Ke. O chinês, um dos grandes críticos da globalização, terá todos os seus filmes exbidos na Mostra. São 7 ao total, incluindo O Mundo, vencedor do Prêmio da Crítica da Mostra em sua 29ª edição.

Seleção FESPACO. A África ganhou seção especial, com 17 filmes vencedores do FESPACO - Festival Pan-Africano de Cinema e Televisão de Uagadugu. Será possível ver filmes da Mauritânia, Marrocos, Mali e de outros países cuja cinematografia pouco aparece por aqui.

Sessões Especiais.
- O Passado, que será exibido na cerimônia de abertura (só para convidados);
- Brand Upon the Brain, com narração ao vivo de Marilia Gabriela e performances no palco;
- Tabu, acompanhado pelo pianista Paulo Braga;
- A Idade da Pedra, último filme de Glauber Rocha;
- Lost, Lost, Lost, em cópia resutaurada, de Jonas Mekas;
- O Filme de Nick, de Nicholas Ray e Win Wenders;
- Garoto Cósmico, animação nacional de Alê Abreu;
- Fuga Sem Destino, de Afonso Brazza.

[Para ver a programação completa, clique aqui >>]

Muita expectativa, poucas sessões

2007-10-16T13:28:00.001-02:00

Grande parte dos filmes da 31ª Mostra será exibida três ou quatro vezes. Mas alguns dos mais esperados pelos espectadores paulistanos serão exibidos uma única vez.

Onde os Fracos Não Têm Vez (No Country For Old Men), de Joel e Ethan Coen / EUA
01/11 | 21:00 - Memorial da América Latina
Previsão de estréia: 15/02/2008

A Maldição da Flor Dourada, de Zhang Yimou / China
30/10 | 19:00 - Cinemark Shopping Eldorado
Em cartaz no Rio de Janeiro. Inédito em São Paulo.

Em Busca da Vida (Still Life), de Jia Zhang-Ke / China/Hong Kong
31/10 | 13:30 - Unibanco Arteplex 2
01/11 | 19:00 - Cinemark Shopping Eldorado
Já foi exibido em circuito comercial, mas agora com a retrospectiva do diretor Jia Zhang-Ke as duas sessões de Still Life devem lotar.

Mostra de Elite | 3 filmes em DVD pirata

2007-10-15T15:42:00.000-02:00

Pelo menos três filmes que serão exibidos na Mostra já podem ser encontrados no mercado pirata. O Fino da Mostra encontrou os filmes abaixo em mais de uma das bancas do Stand Center, que fica na Avenida Paulista, a uma quadra do Masp. As cópias testadas são em DVD, qualidade alta e legendas em português.

[na foto acima, a atriz Sienna Miller em cena do já pirateado Entrevista.]

O Preço da Coragem (A Mighty Heart), de Michael Winterbottom. Angelina Jolie interpreta a esposa do jornalista Daniel Pearl, chefe da sucursal do The Wall Street Journal no Sudeste Asiático. Grávida de seis meses, ela não recebe ligações do marido, que saiu para uma entrevista envolvendo um homem-bomba.

Entrevista (Interview), de Steve Buscemi. Pierre Beders é um jornalista político incumbido de entrevistar uma bela atriz, algo que nada tem a ver com sua especialidade. O filme é um retrato do estranhamento entre os dois mundos e a relação entre personagens que parecem tão diferentes. “Entrevista” é um remake do filme homônimo do diretor holandês Theo Van Gogh, assassinado por um extremista islâmico – inicialmente, o remake seria dirigido pelo próprio Van Gogh.
[Leia a crítica do site Contracampo >>]

SOS Saúde (Sicko), de Michael Moore. Segundo Amir Labaki, mister em documentários, “o mais famoso dos documentaristas descansa a artilharia contra Bush para apresentar uma bem-humorada radiografia do desastroso sistema de saúde dos EUA. Perdoe-se o ingênuo escorregão do episódio cubano, na mais bem articulada das obras de Moore”.
[Veja dicas de documentários que estarão na 31ª Mostra >>]

STAND CENTER
Av. Paulista, 1098
2ª a Sábado: das 10h às 20h
Domingos e feriados: das 10h às 19h

Domingo tranqüilo

2007-10-14T17:22:00.000-02:00

Quem comprou o pacote de 20 ingressos, comprou. Quem pretende comprar o de 40 ingressos, tem que correr – restam menos de 50 pacotes. Mas quem ainda não teve coragem de pagar os R$ 360 do pacote integral não precisa ter tanta pressa e também não enfrentará o caos do sábado, primeiro dia de vendas na Central da Mostra. Já nesse domingo o movimento foi bem menor.

Desconto Folha: atenção!
A principal reclamação na Central está relacionada ao desconto para assinantes da Folha de S. Paulo. Conforme adiantamos em O Fino da Mostra, apenas o titular da assinatura tem direito ao desconto de 15% no integral ou no especial (para sessões de dia de semana até as 17h55). Caso ele adquira algum pacote, um acompanhante também terá direito aos 15% de desconto.

Como ainda há uma quantidade razoável de pacotes com direito ao desconto Folha, uma solução é entrar em contato com a Central do Assinante da Folha e alterar o nome do titular da assinatura. O desconto é obtido com a impressão de um cupom do ClubeFolha gerado pela internet, em que constará o logo da Mostra e o nome do assinante.

[Informações gerais: o que saber para não ser surpreendido quando chegar no guichê >>]

Sábado caótico: começou a venda dos pacotes

2007-10-13T17:55:00.001-03:00

Se você ainda não adquiriu seu pacote da Mostra, é melhor se apressar, porque as vendas estão caóticas na Central da Mostra do Conjunto Nacional. Às 9h, uma hora antes da abertura oficial da bilheteria, as filas para os pacotes de 20 e 40 ingressos já viravam o Conjunto Nacional. Às 10, de acordo com a monitoria da Mostra, o sistema caiu e todas as filas ficaram paralisadas, e a falta de informações e de previsões para o solucionamento do problema irritou as pessoas que esperavam nas filas.

Após muita lentidão, as pessoas começaram a ser atendidas, mas o verdadeiro problema começou na fila para tirar fotos e receber as carteirinhas, já que a ordem da fila simplesmente não era respeitada. Depois da foto, seria entregue um canhoto para a retirada da credencial, mas os funcionários acabavam liberando os crachás aleatoriamente - algumas pessoas que estavam com senhas de número 50 foram atendidas antes das senhas número 20.

Além disso, não existia uma fila preferencial para idosos, o que causou mais descontentamento e problemas. Um jovem resolveu reclamar com os funcionários que estavam liberando os crachás fora da ordem de chegada e, em vez de ser ouvido e de receber uma satisfação, um segurança foi chamado para "conter seus ânimos", embora ele não estivesse ameaçando ninguém.

12h45. A fila para pacotes de 20 e 40 continuava enorme, mas já era mais tranqüilo comprar os pacotes especial e integral. O problema das fotos, entretanto, permanecia.

A programação e o livro com as sinopses ainda não estão prontos. Os funcionários da Mostra acreditam que eles comecem a ser disponibilizados na quarta, dia 17, mas não há nada garantido.

Infelizmente, o primeiro dia de venda dos pacotes da 31ª Mostra não foi nada promissor. Esperamos que tudo se resolva no decorrer da semana.

[Clique aqui para saber maiores informações sobre os pacotes >>]

De Nova Iorque para São Paulo

2007-10-13T14:13:00.000-03:00

São Paulo dará início à sua 31ª Mostra de Cinema depois que Nova Iorque tiver encerrado seu 45º film-festival. Mas é só em tradição que Sampa fica pra trás. Se aqui serão exibidos quase 500 filmes em duas semanas, Nova Iorque selecionou nesse ano apenas 29 filmes, além de algumas sessões especiais (entre elas, uma homenagem ao cineasta brasileiro Joaquim Pedro de Andrade).

Dos 29 filmes do festival novaiorquino, que termina nesse domingo com a exibição da animação Persépolis, a Mostra já confirmou a exibição de 14. (Atualização, 15/10, 16h - O filme Persépolis acabou de ser confirmado na Mostra. Com isso, o número de filmes sobe para 15.)

São eles:

Onde os Fracos Não Têm Vez (No Country For Old Men), de Joel e Ethan Coen [Perspectiva]. A adaptação da memorável novela de Cormac McCarthy foi adaptada com muita sobriedade nas mãos dos irmãos Coen e narra a fuga de um jovem veterano do Vietnã que, carregando heroína e uma mala cheia de dinheiro, atravessa o oeste do Texas, sul dos EUA. Com Javier Bardem e Tommy Lee Jones.

Viagem a Darjeeling (The Darjeeling Limited), de Wes Anderson [Perspectiva]. Filme de abertura do festival novaiorquino, a comédia é um dos marcos da atual "New York wage" e narra a passagem de três irmãos pela Índia, onde tentam reatar seus laços fraternais um ano após a morte do pai. As semelhanças com os road-movies independentes Sideways – Entre Umas e Outras e Pequena Miss Sunshine, ambos indicados ao Oscar, fazem do filme um forte concorrente à premiação do ano que vem. Com Owen Wilson e Adrien Brody.

I’m Not There, de Todd Haynes [Perspectiva]. As muitas fases de Bob Dylan retratadas por atores diferentes – desde Richard Gere até a elogiada Cate Blanchett – e com recursos de filmagem e direção que também variam ao longo do filme. Não é mais uma dessas biografias que estão pipocando por aí desde Ray.

Inútil (Useless), de Jia Zhang-ke [Retrospectiva Jia Zhang-ke]. A Mostra exibirá todos os filmes do mais prestigiado diretor chinês da atualidade. Inútil aborda o negócio da moda da China e, sem entrar na onda do documentário opinativo, discute o significado desse mercado num mundo globalizado. Uma das perguntas do filme: como a China pode ser o maior fabricante de roupas e não ter uma única marca de sucesso mundial?

Go Go Tales, de Abel Ferrara [Perspectiva]. Poucos prestaram atenção nesse filme, que não está em nenhuma lista dos destaques da Mostra. A comédia traz Willem Dafoe no papel de um dono de boate de strippers incomodado com as dificuldades cada vez maiores que enfrenta em seu cabaré. Quando tira a sorte grande na loteria, perde o bilhete premiado.

E também...
4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias (4 Luni, 3 Saptamani si 2 Zile), de Cristian Mungiu [Perspectiva]
Atrizes (Actrices), de Valeria Bruni Tedeschi [Competição]
Antes que o Diabo Saiba que Você Está Morto (Before Devil Knows That You Are Dead), de Sidney Lumet [Perspectiva]
Calle Santa Fe, de Carmem Castillo [Perspectiva]
Flight of the Red Balloon (Le Voyage du Ballon Rouge), de Hou Hsiao-Hsien [Perspectiva]
En la Ciudad de Sylvia, de José Luis Guerín [Perspectiva]
El Orfanato, de Juan Antonio Bayona [Competição]
Paranoid Park, de Gus Van Sant [Perspectiva]
Redacted, de Brian de Palma [Perspectiva]

Persepolis, de Marjane Satrapi e Vincent Paronnaud

A dica do Labaki | Documentários

2007-10-12T12:30:00.000-03:00

Nem tudo é verdade na Mostra. Mas com o número cada vez maior de documentários exibidos, a verdade está dando as caras no cinema. Em 2007, serão quase uma centena de filmes do gênero, e a produção nacional representa um quinto do total. É o que diz Amir Labaki (foto), organizador do festival de documentários É Tudo Verdade, na edição desse fim-de-semana do jornal Valor Econômico.

Conheça os principais documentários da Mostra, selecionados e comentados por Amir Labaki:

Brando, de Mimi Freedman e Leslie Grief. Um cativante mergulho na vida de um dos maiores atores do século XX, com valiosos materiais de arquivo. [Leia mais no site Omelete >>]

Condor, de Roberto Mader. Um pioneiro e didático mergulho nacional no Mercosul do terror, que reuniu oito ditaduras militares do continente, incluindo a brasileira. Prêmio Especial do Júri em Gramado e melhor documentário da Première Brasil no Rio. [Leia mais no Blog do Zanin >>]

Campos de Morango, de Ayelet Heller. Uma visão microscópica do beco sem saída do conflito no Oriente Médio. Palestinos que sobrevivem plantando morangos para exportação na Faixa de Gaza têm seu cotidiano perturbado pela rotina de bombardeios, controles militares e oscilações políticas. [Leia mais no site do Festival de Edimburgo >>]

Cartas a uma Ditadura, de Inês de Medeiros. Uma original revisita ao regime autoritário de Salazar, em Portugal, dos anos 1930 aos 70, a partir da correspondência enviada por mulheres ao ditador.

De Volta à Normandia, de Nicolas Philibert. Um estudo sobre o impacto do cinema sobre a vida de seus intérpretes eventuais. Philibert reencontra, passado um quarto de século, os habitantes que trabalharam como atores amadores nas filmagens de "Eu, Pierre Rivière, Que Matei Minha Mãe, Irmã e Irmão", de René Allio, nas quais foi assistente de direção.

Jogo de Cena, de Eduardo Coutinho
Juízo, de Maria Augusta Ramos
Dois documentários nacionais desafiam as fronteiras entre ficção e não-ficção. O mestre dos mestres embaralha o depoimento de mulheres simples e a atuação de atrizes conhecidas. Já Maria Augusta empresta a face de intérpretes adolescentes para reencenar as lacunas dos registros de julgamento de menores infratores que legalmente não podem ter seus rostos expostos.
[Leia a crítica de "Jogo de Cena" no Críticos.com.br >>]

Fernanda Torres é uma das atrizes convidadas a contar histórias de anônimos para as lentes de Eduardo Coutinho em Jogo de Cena.

Lost, Lost, Lost, de Jonas Mekas. O terceiro dos filmes-diários do grande cineasta experimental americano de origem lituana, em cópia restaurada. Da chegada de Mekas a Manhattan, em 1949, até os agitos de meados dos anos 1960, esta autobiografia em "home movies" a um só tempo pesquisa os mecanismos da memória e radiografa o turbilhão nova-iorquino, da patota de Andy Warhol à resistência à guerra no Vietnã.

Nanking, de Bill Guttentag e Dan Sturman. Na aurora da Segunda Guerra Mundial, no segundo semestre de 1937, o Japão de Hirohito invadiu a China ainda capitalista. Nanquim, a então capital, se tornou palco de um dos maiores massacres da história asiática. Estimam-se 200 mil mortos e 20 mil mulheres estupradas. Testemunhos da época, entrevistas com sobreviventes e dilacerantes cenas de arquivo combinam-se numa lição de barbárie para jamais esquecer.

Retrospectiva Jia Zhang-Ke. Nenhum olhar sobre a China contemporânea supera em rigor e frescor o do jovem Jia. Suas ficções ("Plataforma", "Prazeres Desconhecidos", "O Mundo", "Em Busca da Vida") e seus documentários ("Dong", "Inútil") iluminam-se e complementam-se, sempre indagando o que é ser jovem na China socialista- capitalista arquitetada por Deng Xiao-Ping (1904-1997).

SOS Saúde (Sicko), de Michael Moore. O mais famoso dos documentaristas descansa a artilharia contra Bush para apresentar uma bem-humorada radiografia do desastroso sistema de saúde dos EUA. Perdoe-se o ingênuo escorregão do episódio cubano, na mais bem articulada das obras de Moore.

A Mostra tem história

2007-10-11T18:13:00.000-03:00

Enquanto não começa a 31ª edição da Mostra, algumas curiosidades da história do evento:

+ A 1ª Mostra de Cinema de São Paulo começou em 21 de outubro de 1977, no MASP, e exibiu filmes agora clássicos, como O Enigma de Kaspar Hauser, de Werner Herzog e 25, filme manifesto de Celso Lucas e Zé Celso Martinez sobre a independência de Moçambique, além do filme Lúcio Flávio - O Passageiro da Agonia, de Hector Babenco, cineasta que terá seu novo longa, O Passado, na abertura da 31º edição da Mostra. (Babenco também é o autor e o personagem do cartaz desse ano.)

+ A 3ª Mostra teve como filme de abertura Amor de Perdição, do cineasta português Manoel de Oliveira, hoje presença garantida em quase todas as edições da Mostra (nesse ano ele traz Cristóvão Colombo o Enigma). Seu filme, com 4 horas e 20 minutos de duração, sofreu com um projetor ruim e ficou quase incompreensível para a platéia, que acabou deixando o MASP antes do final da projeção.

+ A 5ª Mostra provocou polêmica com a exibição de Calígula, de Tinto Brass, sobre a vida do imperador romano Calígula Cesar, e com Saló - 120 Dias de Sodoma, o último filme do cineasta italiano Pier Paolo Pasolini que adapta com crueza a obra homônima do Marquês de Sade.

+ A 14ª Mostra exibiu o inovador filme de Peter Greenaway, Os Mortos do Sena, no qual o cineasta faz um panorama do período da Revolução Francesa por meio de uma análise de cadáveres encontrados no Rio Sena. Greenaway recentemente esteve no Brasil exibindo sua nova proposta de cinema digital, que dialoga com as novas tecnologias.

+ A 16ª Mostra teve a presença de Quentin Tarantino, que via mais de quatro filmes por dia e buscava outros no escritório da Mostra. Essa edição exibiu Cães de Aluguel, película que o levou ao reconhecimento mundial e garantiu a criação de seu longa seguinte, Pulp Fiction.

+ A 17ª planejava uma retrospectiva da atriz sueca Ingrid Bergman (foto), mas os filmes emprestados pela Cinemateca Sueca se perderam na alfândega do aeroporto de Guarulhos. Quando os filmes foram encontrados, após o término da Mostra, foram devolvidos imediatamente à Suécia, sem serem exibidos no Brasil.

+ A 24ª Mostra exibiu uma retrospectiva do cineasta Luis Buñuel, contemplando até mesmo seus primeiros filmes da época surrealista, Um Cão Andaluz e A Idade do Ouro, realizados junto com Salvador Dalí.

+ A 25ª Mostra não exibiu um filme em sua noite de abertura, inovando com um show musical comandado pelo cineasta Emir Kusturica.

+ A 28ª Mostra promoveu duas exposições fotográficas, dos cineastas Amos Gitai e Abbas Kiarostami.

+ A 30ª Mostra trouxe uma tendência que se repete na edição desse ano: promoveu o filme Cabíria, de Giovanni Pastrone, e curtas sobre a obra de Shakespeare com acompanhamento musical ao vivo. Nesse ano, será exibida uma cópia restaurada de Tabu, de F.W. Murnau, além do filme-espetáculo Brand Upon the Brain.

[E TEM MAIS... O portal UOL traz uma página com todos os cartazes da Mostra. A dica foi dada por Celso Morelli na comunidade da Mostra no Orkut >>]

Um corredor literário enquanto a Mostra não vem

2007-10-11T16:22:00.000-03:00

A Avenida Paulista, reduto dos cinéfilos da Mostra, se transformou em um corredor literário. Até o domingo, 14, a Paulista apresenta uma extensa programação que inclui debates, apresentações culturais, saraus e, oba!, sessões de cinema. Para ver todos os eventos, vá em www.corredorliterario.com.br.

O HSBC Belas Artes preparou uma programação especial, Literatura no Cinema. Os ingressos custam R$ 8,00 (inteira) e R$ 4,00 (meia). Veja os filmes desse fim-de-semana prolongado:

12/10 (SEXTA) | 19h | HSBC Belas Artes
“Morte em Veneza”, de Luchino Visconti (foto)
baseado no livro homônimo de Thomas Mann
[leia a crítica do site Contracampo >>]

13/10 (SÁBADO) | 19h | HSBC Belas Artes
“O Tempo Redescoberto”, de Raoul Ruiz
baseado no livro homônimo de Marcel Proust

14/10 (DOMINGO) | 19h | HSBC Belas Artes
“Hamlet”, de Grigori Kozintsev
baseado no livro homônimo de William Shakespeare

Outro evento que O Fino da Mostra destaca é o debate entre os escritores Andrea Del Fuego e Daniel Galera (foto). Autor de "O Dia em que o Cão Morreu", livro que deu origem ao filme "Cão Sem Dono", Galera, 28, é um dos principais nomes da literatura brasileira contemporânea - leia matéria na revista Bravo! de outubro. "Afinal, por que se escreve?" é o tema da conversa.

Afinal, por que se escreve.
13/10 (SÁBADO | 17h | Centro Cultural FIESP (Café Hora da Razão)
Com Andrea Del Fuego e Daniel Galera.

HSBC Belas Artes
Rua da Consolação, 2423

Centro Cultural FIESP
Avenida Paulista, 1313

Novos filmes | Saiu a 2ª lista

2007-10-10T17:54:00.000-03:00

Van Sant, Michael Moore, Paul Haggis, Manoel de Oliveira. A organização da Mostra acabou de divulgar uma segunda leva de filmes e O Fino da Mostra já atualizou a seção Todos os filmes. Veja abaixo algumas novidades:

Paranoid Park, de Gus Van Sant. Assim como em “Elephant”, em que contou a história do massacre de Columbine sob a perspectiva dos adolescentes envolvidos na história, Gus Van Sant dá voz a uma juventude retratada com toques de angústia e fúria. Paranoid Park acompanha com detalhes o cotidiano de um jovem skatista em crise após estar envolvido na morte de um segurança.

No Vale das Sombras (In The Valley of Elah), de Paul Haggis. O novo drama do diretor e roteirista Paul Haggis (Menina de Ouro, Crash) traz Tommy Lee Jones no papel de um veterano de guerra que sai em busca de seu filho, que desaparece após uma rápida incursão pelo Iraque. Com Charlize Theron e Susan Sarandon.

SOS Saúde (Sicko), de Michael Moore. Depois de atacar a indústria das armas e o governo Bush, Michael Moore critica o sistema de saúde norte-americano, um dos principais temas da próxima corrida presidencial no país.

Outros destaques da nova lista
Into The Wild, de Sean Penn
Cristóvão Colombo o Enigma, de Manoel de Oliveira.
O Engenho de Zé Lins, de Vladimir Carvalho

Veja as listas atualizadas
Perspectiva Internacional
Competição
Panorama Brasil
Perspectiva (Médias e Curtas)
+ Filmes (retrospectivas, sessões especiais...)

Vai viajar nesse fim de semana? Atenção!

2007-10-10T17:51:00.001-03:00

A venda dos pacotes de ingressos e de credenciais permanentes começa nesse sábado, dia 13. E como não há de ser diferente, deve acabar no sábado. A expectativa dos organizadores da Mostra é que se esgotem já no fim de semana.

Muito cuidado: para comprar os pacotes, é preciso comparecer pessoalmente na Central da Mostra, que fica no Conjunto Nacional (Avenida Paulista, 2073). Então, se for viajar no fim-de-semana prolongado, arque com as conseqüências!

Comodidade. Quem acompanhar a Mostra com integral, especial ou pacotes poderá retirar ingressos com antecedência de 1 a 4 dias. Um espectador que vai na Central da Mostra no dia 22, por exemplo, pode pegar ingressos para as sessões dos dias 23 a 26. Já se quiser uma sessão no próprio dia 22, terá que retirar na sala.

PREÇOS

Integral | R$ 360,00
(desconto de 15% para assinantes da Folha R$ 306,00)

Especial | R$ 90,00 [para sessões de segunda a sexta até as 17h55]
(desconto de 15% para assinantes da Folha R$ 76,50)

Pacote 20 Ingressos | R$ 150,00
Pacote 40 Ingressos | R$ 260,00

Ingressos individuais
De segunda a quinta | R$ 13,00 (inteira) | R$ 6,50 (meia)
Sexta, sábado e domingo | R$ 16,00 (inteira) | R$ 8,00 (meia)

Desconto Folha. O desconto da Folha só poderá ser utilizado na compra de pacotes que serão utilizados pelo titular da assinatura. Não vale para os dependentes!

CENTRAL DA MOSTRA
Conjunto Nacional – Avenida Paulista, 2073
Telefones: (11) 3142 9248 / (11) 3141 9280
Para informações: 8/10 a 12/10, das 12h às 18h
Para a venda de pacotes e permanentes: 13/10 a 01/11, das 10h às 21h.

31ª Mostra discute o papel da crítica

2007-10-09T13:05:00.001-03:00

De acordo com Leon Cakoff, fundador do evento, os críticos de cinema estão perdendo o contato com o público, em vez de criarem um espaço para a discussão, o questionamento e a filosofia. Para discutir o papel do crítico de cinema e a própria figura do cinéfilo, a 31ª Mostra irá promover diversos debates sobre o assunto no 6º andar do shopping Frei Caneca, além do lançamento da edição brasileira do livro "A Rampa", do crítico Serge Daney (foto).

+++

Enquanto a mostra não começa, a Central da Mostra, localizada no Conjunto Nacional, já está aberta para informações e compra de souvenirs da Mostra (como camisetas e copos). A partir do dia 13, a Central também começa a vender os pacotes de ingressos e as entradas permanentes.

Central da Mostra
Av. Paulista, 2073
das 12h às 18h

[LEIA ABAIXO: A aposta do Leon Cakoff para a 31ª Mostra]

Onde assistir?

2007-10-08T16:56:00.000-03:00

A 31ª Mostra acontece em 19 salas e espaços de São Paulo, 5 dos quais com entrada franca. A maioria são salas do circuito de arte, localizadas na região da avenida Paulista.
Confira os endereços:

Frei Caneca Unibanco Arteplex [salas 1, 2, 3 e 4]
Frei Caneca Shopping - Rua Frei Caneca, 569, 3º piso
tel.: 3472.2365

Espaço Unibanco [salas 1 e 3]
Rua Augusta, 1475
tel.: 3288.6780

Cine Bombril [salas 1 e 2]
Conjunto Nacional - Av. Paulista, 2073
tel.: 3285.3696

Cinesesc
Rua Augusta, 2075
tel.: 3082.0213

Reserva Cultural [sala 2]
Av. Paulista, 900, Térreo Baixo
tel.: 3287.3529

Sala Cinemateca
Largo Senador Raul Cardoso, 207, Vila Clementino
tel.: 3512.6111

iG Cine (ex-Sala UOL de Cinema)
Rua Fradique Coutinho, 361, Pinheiros
tel.: 5096.0585

Cine TAM (Shopping Morumbi)
Shopping Morumbi - Av. Roque Petroni Junior, 1069, Piso Superior
tel.: 5189.4656

Cinemark Eldorado
Av. Rebouças, 3970, Pinheiros
tel: 2197.7473

entrada franca

Galeria Olido
Av. São João, 473, Centro
tel.: 3331.8399

Faap
Rua Alagoas, 903 - Higienópolis
te.: 3662.7000

Vão livre do Masp
Av. Paulista, 1578
tel.: 3251.5644

Centro Cultural São Paulo
Rua Vergueiro, 1000 - Paraíso
tel.: 3383.3402

Memorial da América Latina
Av. Auro Soares de Souza Andrade, 544, Barra Funda
tel.: 3823.4600

Além das salas e espaços acima, o teatro do Sesc Pinheiros (foto) receberá o filme-espetáculo Brand Upon the Brain, do diretor canadense Guy Maddin, que foi um dos pontos altos do último Festival de Berlim.

O Sesc Pinheiros fica na rua Paes Leme, 195. tel.: 3095-9400

A dica do Cakoff

2007-10-08T15:57:00.000-03:00

Leon Cakoff, criador e organizador da Mostra, conhece muito bem o que está trazendo à cidade. Ele e a esposa, Renata de Almeida, são os dois responsáveis pela escolha dos mais de 400 filmes da programação. Mesmo assim, em entrevista coletiva realizada no dia 6, preferiu deixar para os jornalistas a missão de encontrar preciosidades onde poucos prestariam atenção. Deixou escapar uma única dica. "Os filmes armenos estão muito bons." Cakoff, naturalizado brasileiro, é descendente de armenos.

Até agora, estão confirmados seis filmes que retratam a questão do genocídio armeno.

A LONGA VOLTA PARA CASA, de Eileen Thalenberg
A CASA DAS COTOVIAS (LA MASSERIA DELLE ALLODOLE), de Paolo Taviani, Vittorio Taviani
ARARAT – 14 VISÕES (ARARAT - 14 TESSARAN), de Don Askarian
ARMÊNIA (LE VOYAGE EN ARMÉNIE), de Robert Guédiguian
O FAROL (MAYAK), de Maria Saakyan
SCREAMERS, de Carla Garapedian

Trailer do filme Ararat - 14 Visões

Starbucks na Paulista

2007-10-08T15:49:00.000-03:00

O copão de café tipicamente americano da rede Starbucks é mais uma opção para manter acordados os maratonistas da Mostra. Inaugurada nesse fim de semana, a cafeteria fica no Shopping Center 3 (na Paulista, entre as ruas Frei Caneca e Augusta). Mas cuidado: se repetir o sucesso das outras cinco lojas da rede em São Paulo, as filas para pedir o café podem fazer você perder a sessão.

STARBUCKS CENTER 3. Avenida Paulista, 2064. Segunda a sábado, das 8 às 21 horas. Domingo, das 10 às 21 horas. Ambiente com acesso à internet wi-fi.
http://www.starbucks.com.br

Café expresso (espresso), R$ 2,80. Pão de queijo, R$ 2,00. Cafés especiais (cappucino, mocca, latte – em três tamanhos de copos), entre R$ 6,00 e R$ 9,00.

Garimpo

2007-10-08T08:00:00.000-03:00

Uma retrospectiva com toda a obra do chinês Jia Zhang-ke. Uma seleção dos vencedores do principal festival de cinema africano. Quase cem filmes de diretores que estão estreando ou lançando seu segundo filme. Um pouco de Cannes, de Veneza, de Berlim. Um espetáculo em que o filme é acompanhado por atores no palco. Glauber Rocha restaurado. David Lynch, Ang Lee, Cronenberg e... Zé do Caixão.

Entre os dias 19 de outubro e 1º de novembro, São Paulo convida os amantes do cinema a fazer garimpo. A 31ª Mostra Internacional de Cinema oferece uma corrida do ouro com mais de 400 filmes. O Fino da Mostra é um dos muitos guias que estarão à disposição dos desbravadores para que as duas semanas de maratona sejam aproveitadas ao máximo.

Veja abaixo a lista de filmes selecionados até agora para a Mostra.

Perspectiva Internacional

2007-10-08T06:00:00.000-03:00

2 DIAS EM PARIS( 2 DAYS IN PARIS ), de Julie Delpy / FRANÇA, ALEMANHA
4 MESES, 3 SEMANAS e 2 DIAS( 4 LUNI, 3 SAPTAMANI SI 2 ZILE ), de Cristian Mungiu / FRANÇA, ROMÊNIA
A 15ª PEDRA, de Rita Azevedo Gomes / PORTUGAL
A AMADA( L'AIMÉE ), de Arnaud Desplechin / FRANÇA
A CASA DAS COTOVIAS( LA MASSERIA DELLE ALLODOLE ), de Paolo Taviani, Vittorio Taviani / ITÁLIA, FRANÇA, BULGÁRIA, ESPANHA
A CULPA É DO FIDEL( LA FAUTE À FIDEL ), de Julie Gavras / FRANÇA
A DESCONHECIDA( LA SCONOSCIUTA ), de Giuseppe Tornatore / ITÁLIA
A ERA DA INOCÊNCIA( L'ÂGE DES TÉNÈBRES ), de Denys Arcand / FRANÇA, CANADÁ
A ESTRELA DO SOLDADO( L´ ÉTOILE DU SOLDAT ), de Christophe de Ponfilly / FRANÇA, ALEMANHA, AFEGANISTÃO
A HERANÇA( L'HERITAGE ), de Gela Babluani, Temur Babluani / GEÓRGIA, FRANÇA
A ILHA( OSTROV ), de Pavel Lounguine / RÚSSIA
A MALDIÇÃO DA FLOR DOURADA( MAN CHENG JIN DAI HUANG JIN JIA ), de Yimou Zhang / HONG KONG, CHINA
A OUTRA MARGEM, de Luis Filipe Rocha / PORTUGAL, BRASIL
A PRAÇA DO SALVADOR( PLAC ZBAWICIELA ), de Joanna Kos-Krauze, Kzzysztof Krauze / POLÔNIA
A PROMISE TO THE DEAD: THE EXILE JOURNEY OF ARIEL DORFMAN, de Peter Raymont / CANADÁ
À PROVA DE MORTE( GRINDHOUSE: DEATH PROOF ), de Quentin Tarantino / EUA
A QUESTÃO HUMANA( LA QUESTION HUMAINE ), de Nicolas Klotz / FRANÇA
A RETIRADA( DISENGAGEMENT ), de Amos Gitai / ISRAEL, FRANÇA, ALEMANHA, ITÁLIA
A SOMBRA INTERIOR( THE SHADOW WITHIN ), de Silvana Zancolo / ITÁLIA
A ÚLTIMA HORA( THE 11TH HOUR ), de Nadia Conners, Leila Conners Petersen / EUA
A VALSA( VALZER ), de Salvatore Maira / ITÁLIA
A VIDA DOS OUTROS( DAS LEBEN DER ANDEREN ), de Florian Henckel von Donnersmarck / ALEMANHA
A VISÃO( DRISHTANTHAM ), de M.P.Sukumaran Nair / ÍNDIA
ACROSS THE UNIVERSE, de Julie Taymor / EUA
ANGEL, de François Ozon / INGLATERRA,BÉLGICA, FRANÇA
ANTES QUE EU ESQUEÇA( AVANT QUE J'OUBLIE ), de Jacques Nolot / FRANÇA
ANTES QUE O DIABO SAIBA QUE VOCÊ ESTÁ MORTO( BEFORE DEVIL KNOWS THAT YOU ARE DEAD ), de Sidney Lumet / EUA
APRÈS LUI, de Gaël Morel / FRANÇA
ARARAT - 14 VISÕES( ARARAT - 14 TESSARAN ), de Don Askarian / HOLANDA, ALEMANHA, ARMÊNIA
ARGENTINA LATENTE, de Fernando E. Solanas / ARGENTINA, FRANÇA, ESPANHA
ARMADILHA( KLOPKA ), de Srdan Golubovic / SÉRVIA, ALEMANHA, HUNGRIA
ARMÊNIA( LE VOYAGE EN ARMÉNIE ), de Robert Guédiguian / FRANÇA
ARMIN, de Ognjen Svilicic / CROÁCIA, ALEMANHA, BÓSNIA-HERZEGÓVINA
AS TESTEMUNHAS( LES TÉMOINS ), de André Téchiné / FRANÇA
ATRAVÉS DO PLANALTO( CHUAN YUE GAO YUAN ), de Zhang Zeming, Paul Liu / CHINA, AUSTRÁLIA
BAMAKO, de Abderrahmane Sissako / REPÚBLICA DE MALI, FRANÇA
BEAUFORT( BUFOR ), de Joseph Cedar / ISRAEL
BELA CIDADE( THIS BEAUTIFUL CITY ), de Ed Gass-Donnelly / CANADÁ
BOMB IT, de Jon Reiss / EUA
BRANCA DE NEVE, DEPOIS DO CASAMENTO( SNOW WHITE THE SEQUEL ), de Picha / BÉLGICA, FRANÇA, REINO UNIDO, POLÔNIA
BRANDO, de Mimi Freedman,Leslie Grief / EUA
BREAKOUT, de Mike Eschmann / SUÍÇA
CADA UM COM SEU CINEMA( CHACUN SON CINÉMA ), de Vários / FRANÇA
CAIXAS( BOXES ), de Jane Birkin / FRANÇA
CALLE SANTA FE, de CARMEN CASTILLO / FRANÇA, CHILE, BÉLGICA
CANÇÕES DE AMOR( LES CHANSONS D´AMOUR ), de Christophe Honoré / FRANÇA
CAOS( HEYA FAWDA ), de Youssef Chahine, Khaled Youssef / EGITO, FRANÇA
CAÓTICA ANA, de Julio Medem / ESPANHA
CARAMEL, de Nadine Labaki / FRANÇA, LÍBANO
CARGO 200( GRUZ 200 ), de Alexey Balabanov / RÚSSIA
CASA DAS BELAS ADORMECIDAS( HAUS DER SCHLAFENDEN SCHÖNEN ), de Vadim Glowna / ALEMANHA
CÉU DE DEZEMBRO( JUNI GATSU NO SORA ), de Hiroshi Toda / JAPÃO
CIRANDA EM BERLIM( BERLINER REIGEN ), de Dieter Berner / ALEMANHA
COMEDORES DE FERRO( EISENFRESSER ), de Shaheen Dill-Riaz / ALEMANHA
CONGORAMA, de Philippe Falardeau / CANADÁ, BÉLGICA, FRANÇA
CONTOS DE TERRAMAR( GEDO SENKI ), de Goro Miyazaki / JAPÃO
CONVERSAS COM MEU JARDINEIRO( DIALOGUES AVEC MON JARDINIER ), de Jean Becker / FRANÇA
CRISTOVÃO COLOMBO O ENIGMA( CRISTOVAO COLOMBO O ENIGMA ), de Manoel de Oliveira / FRANÇA, PORTUGAL
DE VOLTA À NORMANDIA( RETOUR EN NORMANDIE ), de Nicolas Philibert / FRANÇA
DEFENSORES DO PARAÍSO, de Yoram Porath / EQUADOR
DELIRIOUS, de Tom DiCillo / EUA
DESEJO E REPARAÇÃO( ATONEMENT ), de Joe Wright / REINO UNIDO
DEVER CÍVICO( CIVIC DUTY ), de Jeff Renfroe / REINO UNIDO, EUA, CANADÁ
DO OUTRO LADO( AUF DER ANDEREN SEITE ), de Fatih Akin / ALEMANHA, TURQUIA
DOL, de Hiner Saleem / CURDISTÃO, FRANÇA, ALEMANHA
EDUART, de Angeliki Antoniou / GRÉCIA, ALEMANHA
EGG( YUMURTA ), de Semih Kaplanoglu / TURQUIA, GRÉCIA
EM PARIS( DANS PARIS ), de Christophe Honoré / FRANÇA, PORTUGAL
ELIPSIS, de Eduardo Arias-Nath / VENEZUELA
EN LA CIUDAD DE SYLVIA, de José Luis Guerín / ESPANHA
ENTREVISTA( INTERVIEW ), de Steve Buscemi / EUA, HOLANDA
ESTAÇÃO SECA( DARATT ), de Mahamat-Saleh Haroun / FRANÇA, BÉLGICA
ESTE FILME AINDA NÃO TEM CENSURA( THIS FILM IS NOT YET RATED ), de Kirby Dick / EUA
EVERYONE'S FINE( ALLA MÅR BRA ), de Rainer Hartleb / SUÉCIA
FAY GRIM, de Hal Hartley / EUA, ALEMANHA, FRANÇA
FLAMENCO MI VIDA, KNIVES OF THE WIND, de Peter Sempel / ALEMANHA
FLAWLESS, de Michael Radford / REINO UNIDO
FLIGHT OF THE RED BALLOON( LE VOYAGE DU BALLON ROUGE ), de Hou Hsiao-Hsien / FRANÇA
FORGIVE ME( DÉLIVREZ-MOI ), de Denis Chouinard / CANADÁ
GARÇOM( OBER ), de Alex van Warmerdam / HOLANDA
GLÓRIA AO CINEASTA!( KANTOKU • BANZAI! ), de Takeshi Kitano / JAPÃO
GO GO TALES, de Abel Ferrara / ITÁLIA, EUA
GOODBYE BAFANA, de Bille August / ALEMANHA, FRANÇA, BÉLGICA, ÁFRICA DO SUL, ITÁLIA
GUARDIÕES DO DIA( DNEVNOY DOZOR ), de Timur Bekmambetov / RÚSSIA
HANA( HANA YORI MO NAHO ), de Hirokazu Kore-Eda / JAPÃO
HULA GIRLS( HULA GÂRU ), de Lee Sang-il / JAPÃO
I'M NOT THERE, de Todd Haynes / EUA, ALEMANHA
IMPÉRIO DOS SONHOS( INLAND EMPIRE ), de David Lynch / FRANÇA, POLÔNIA, EUA
IMPORT EXPORT, de Ulrich Seidl / ÁUSTRIA
INDO PARA CASA( LUO YE GUI GEN ), de Zhang Yang / HONG KONG, CHINA
INFÂNCIAS( ENFANCES ), de Vários / FRANÇA
INTO THE WILD, de Sean Penn / EUA
INVISÍVEIS( INVISIBLES ), de I.Coixet. W.Wenders, F.León de Aranoa, M.Barroso, J.Corcuera / ESPANHA
IN THE CITIES( DANS LES VILLES ), de Catherine Martin / CANADÁ
IN THE SHADOW OF THE LIGHT, de Sarah Payton, Chris Teerink / HOLANDA
INTIMATE ENEMIES( L'ENNEMI INTIME ), de Florent-Emilio Siri / FRANÇA
IRMÃS PERTURBADORAS( SCHWESTERHERZ ), de Ed Herzog / ALEMANHA
JOVEM YAKUZA( YOUNG YAKUZA ), de Jean-Pierre Limosin / FRANÇA
KIMERA - ESTRANHA SEDUÇÃO( THE INNER LIFE OF MARTIN FROST ), de Paul Auster / FRANÇA, ESPANHA, PORTUGAL
KURT COBAIN - SOBRE UM FILHO( KURT COBAIN ABOUT A SON ), de AJ Schnack / EUA
LA VERITÀ DI CRISTALLO, de Massimo Mazzucco / EUA
LADY CHATTERLEY, de Pascale Ferran / BÉLGICA, FRANÇA, REINO UNIDO
LATIDOS DA TARDE( XIA WU GOU JIAO ), de Zhang Yuedong / CHINA
LOST IN BEIJING( PING GUO ), de Li Yu / CHINA
LUST, CAUTION( SE, JIEN ), de Ang Lee / EUA, CHINA
LUXURY CAR( JIANG CHENG XIA RI ), de Chao Wang / FRANÇA
MAL NASCIDA, de João Canijo / PORTUGAL
MEDEA MIRACLE( MÉDÉE MIRACLE ), de Tonino De Bernardi / FRANÇA
MEDO DA VERDADE( GONE BABY GONE ), de Ben Affleck / EUA
MEMORY OF SEPTEMBER, de Hiroshi Toda / JAPÃO
MEU MELHOR AMIGO( MON MEILLEUR AMI ), de Patrice Leconte / FRANÇA
MORTE DO PRESIDENTE( DEATH OF A PRESIDENT ), de Gabriel Range / INGLATERRA
NANKING, de Bill Guttentag, Dan Sturman / EUA
NÃO TOQUE NO MACHADO( NE TOUCHEZ PAS LA HACHE ), de Jacques Rivette / FRANÇA, ITÁLIA
NASCIDO E CRIADO( NACIDO Y CRIADO ), de Pablo Trapero / ARGENTINA, BRASIL, ITÁLIA, INGLATERRA
NEM PENSAR!( NON PENSARCI ), de Gianni Zanasi / ITÁLIA
NO VALE DAS SOMBRAS( IN THE VALLEY OF ELAH ), de Paul Haggis / EUA
NOSSO TEMPO( KAAL ), de Bappaditya Bandopadhyay / ÍNDIA
O AMOR NOS TEMPOS DO CÓLERA( LOVE IN THE TIME OF CHOLERA ), de Mike Newell / EUA
O ASSASSINATO DE JESSE JAMES PELO COVARDE ROBERT FORD( THE ASSASSINATION OF JESSE JAMES BY THE COWARD ROBERT FORD ), de Andrew Dominik / EUA, CANADÁ
O BÚFALO DA NOITE( EL BUFALO DE LA NOCHE ), de Jorge Hernandez Aldana / MÉXICO
O CAVALEIRO NEGRO( THE BLACK PIMPERNEL ), de Ulf Hultberg / DINAMARCA, MÉXICO, SUÉCIA
O CLUBE DE LEITURA DE JANE AUSTEN( THE JANE AUSTEN BOOK CLUB ), de Robin Swicord / EUA
O ESTADO DAS COISAS( EL ESTADO DE LAS COSAS ), de Marcos Loayza / BOLÍVIA
O ESTADO DO MUNDO, de A. Weerasethakul,V.Ferraz,A.Abraham,W.Bing,P.Costa,C.Akerman / PORTUGAL, ESCÓCIA, FRANÇA, TAILÂNDIA, CHINA, BRASIL, ÍNDIA
O FAROL( MAYAK ), de Maria Saakyan / ARMÊNIA, RÚSSIA
O HOMEM DE LONDRES( A LONDONI FÉRFI ), de Béla Tarr / HUNGRIA, FRANÇA, ALEMANHA
O PREÇO DA CORAGEM( A MIGHTY HEART ), de Michael Winterbottom / EUA, REINO UNIDO
O MISTÉRIO DA ESTRADA DE SINTRA, de Jorge Paixão da Costa / PORTUGAL, BRASIL
O SINAL( LA SEÑAL ), de Ricardo Darín / ARGENTINA, ESPANHA
ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ( NO COUNTRY FOR OLD MEN ), de Joel Coen, Ethan Coen / EUA
ONE + ONE, de Jean Luc Godard / INGLATERRA
ONE OF OUR OWN, de Abe Levy / EUA
OS CORPOS MORTOS DOS VIVOS( DIE TOTEN KÖRPER DER LEBENDEN ), de Peter Kern / ÁUSTRIA
PALMAS BRANCAS( FEHER TENYER ), de Szablocs Hadju / HUNGRIA
PARANOID PARK, de Gus Van Sant / FRANÇA, EUA
PEOPLE - HISTÓRIAS DE NOVA IORQUE( THE GREAT NEW WONDERFUL ), de Danny Leiner / EUA
PINTORA AOS 4 ANOS( MY KID COULD PAINT THAT ), de Amir Bar-Lev / EUA
PLANETA TERROR( GRINDHOUSE: PLANET TERROR ), de Robert Rodriguez / EUA
POTOSI, THE JOURNEY( POTOSI, LE TEMPS DU VOYAGE ), de Ron Havilio / FRANÇA, ISRAEL
REDACTED, de Brian De Palma / EUA
REQUIEM, de Hans Christian Schimd / ALEMANHA
ROLLING STONES, SYMPATHY FOR THE DEVIL( SYMPATHY FOR THE DEVIL ), de Jean Luc Godard / INGLATERRA
SAVAGE GRACE, de Tom Kalin / ESPANHA, EUA
SE O VENTO LEVANTA A AREIA( SI LE VENT SOULÈVE LES SABLES ), de Marion Hänsel / BÉLGICA, FRANÇA
SENHORES DO CRIME( EASTERN PROMISES ), de David Cronenberg / INGLATERRA, CANADÁ, EUA
SERKO, de Joël Farges / FRANÇA
SHELTER( RIPARO ), de Marco Simon Puccioni / ITÁLIA, FRANÇA
SMILEY FACE, de Gregg Araki / EUA
SOBREVIVENDO À MINHA MÃE( SURVIVING MY MOTHER ), de Émile Gaudreault / CANADÁ
SOMBRAS( SENKI ), de Milcho Manchevski / MACEDÔNIA, ALEMANHA, ITÁLIA, BULGÁRIA, ESPANHA
SOMBRAS DE GOYA( GOYA'S GHOSTS ), de Milos Forman / EUA, ESPANHA
SONHANDO ACORDADO( LA SCIENCE DES RÊVES ), de Michel Gondry / FRANÇA, ITÁLIA
SONIC MIRROR, de Mika Kaurismaki / SUÍÇA, FINLÂNDIA, ALEMANHA
SOS SAÚDE( SICKO ), de Michael Moore / EUA
SUKIYAKI WESTERN DJANGO, de Takashi Miike / JAPÃO
TALK TO ME, de Kasi Lemmons / EUA
TERANGA BLUES, de Moussa Sene Absa / SENEGAL, FRANÇA
THE GIRLS FROM BRAZIL( HAYLADOT MBRAZIL ), de Nili Tal / ISRAEL, BRASIL
THE NOTORIOUS BETTIE PAGE, de Mary Harron / EUA
THE OPTIMISTS( OPTIMISTI ), de Goran Paskaljevic / SÉRVIA
THE REST IS SILENCE( RESTUL E TACERE ), de Nae Caranfil / ROMÊNIA
THE TRACEY FRAGMENTS, de Bruce McDonald / CANADÁ
UM JOGO DE VIDA OU MORTE( SLEUTH ), de Kenneth Branagh / EUA
UM VERÃO PARA TODA VIDA( DECEMBER BOYS ), de Rod Hardy / AUSTRÁLIA, REINO UNIDO, EUA
UMA HISTÓRIA DIFERENTE( UN'ALTRA STORIA ), de M. Battaglia, G. Donati, L. Schimmenti, A. Zulini / ITÁLIA
VALENTE( THE BRAVE ONE ), de Neil Jordan / EUA, AUSTRÁLIA
VENTOS DO ZERO( WINDS FROM ZERO ), de Toshi Shoya / JAPÃO
VIAGEM A DARJEELING( THE DARJEELING LIMITED ), de Wes Anderson / EUA
VIDA SELVAGEM( DAS WILDE LEBEN ), de Achim Bornhak / ALEMANHA
VOCÊS, OS VIVOS( DU LEVANDE ), de Roy Andersson / SUÉCIA, ALEMANHA, FRANÇA, DINAMARCA, NORUEGA
YO SOY LA JUANI, de Bigas Luna / ESPANHA
ZOO, de Robinson Devor / EUA

Competição

2007-10-08T05:59:00.000-03:00

24 MEASURES( 24 MESURES ), de Jalil Lespert / FRANÇA, CANADÁ
A ARTE DAS LÁGRIMAS ( KUNSTEN AT GRAEDE I KOR ), de Peter Schønau Fog / DINAMARCA
A BANDA( BIKUR HATIZMORET ), de Eran Kolirin / ISRAEL, FRANÇA
A DAMA DO MAR( LA FINE DEL MARE ), de Nora Hoppe / ALEMANHA, FRANÇA, ITÁLIA
A TIME FOR FISHES( ZEIT DER FISCHE ), de Heiko Aufdermauer / ALEMANHA
A VIDA DOS OUTROS( DAS LEBEN DER ANDEREN ), de Florian Henckel von Donnersmarck / ALEMANHA
A WHITE BALLAD( UNA BALLATA BIANCA ), de Stefano Odoardi / ITÁLIA
ABRIGO( RIPARO ), de Marco Simon Puccioni / ITÁLIA, FRANÇA
ABSOLUTE BEGINNER( ALEJA GOWNIARZY ), de Piotr Szczepanski / POLÔNIA
AIDEU - BEHIND THE SCREEN, de Arup Manna / ÍNDIA
ALL THE INVISIBLE THINGS( HEILE WELT ), de Jakob M. Erwa / ÁUSTRIA
AMOUR FOU( AUFTAUCHEN ), de Felicitas Korn / ALEMANHA
ANYTIME SOON( ESAS NO SON PENAS ), de Anahí Hoeneisen, Daniel Andrade / EQUADOR
AO CACHORRO DESCONHECIDO( FÜR DEN UNBEKANNTEN HUND ), de D. e B. Reding / ALEMANHA
ATRÁS DAS NUVENS, de Jorge Queiroga / PORTUGAL
ATRIZES( ACTRICES ), de Valeria Bruni Tedeschi / FRANÇA
BAD HABITS( MALOS HÁBITOS ), de Simón Bross / MÉXICO
BEN X, de Nic Balthazar / BÉLGICA
BLIND MOUNTAIN( MANG SHAN ), de Li Yang / HONG KONG, CHINA
BORN WITHOUT( NACIDO SIN ), de Eva Norvind / MÉXICO
BUDDHA'S LOST CHILDREN, de Mark Verkerk / HOLANDA
CASHBACK, de Sean Ellis / REINO UNIDO
CHAMAMÉ - MUSIC, PEOPLE, POETRY, de Cosima Lange / ALEMANHA, ARGENTINA
COCHOCHI, de Israel Cárdenas, Laura Amelia Guzmán / MÉXICO, REINO UNIDO, CANADÁ
CONTRA INVESTIGAÇÃO( CONTRE-ENQUÊTE ), de Franck Mancuso / FRANÇA
CONTROL, de Anton Corbijn / REINO UNIDO, EUA
DE CABEÇA PARA BAIXO( PREVRTENO ), de Igor Ivanov / MACEDÔNIA, CROÁCIA
DEFICIT, de Gael Garcia Bernal / MÉXICO
DISTANCE( YUAN LI ), de Wei Tie / CHINA
DREAMS OF DUST( RÊVES DE POUSSIÈRE ), de Laurent Salgues / FRANÇA, CANADÁ, REPÚBLICA DO BURQUINA FASSO
EL ORFANATO, de Juan Antonio Bayona / ESPANHA
FACING THE DAY( STO SA SOBOM PREKO DANA ), de Ivona Juka / CROÁCIA
FATA MORGANA, de Simon Gross / ALEMANHA
FÉRIAS ROUBADAS( LES PETITES VACANCES ), de Olivier Peyon / FRANÇA
FOUL GESTURE( TNUAH MEGUNA ), de Tzahi Grad / ISRAEL
FRANCE( LA FRANCE ), de Serge Bozon / FRANÇA
GARAGE, de Lenny Abrahamson / IRLANDA
GOODNIGHT IRENE, de Paolo Marinou-Blanco / PORTUGAL
HAFNER´S PARADISE( HAFNERS PARADIES ), de Günter Schwaiger / ÁUSTRIA, ESPANHA
HAVE YOU ANOTHER APPLE? ( BAAZ HAM SIB DAARI ), de Bayram Fazli / IRÃ
HELP ME EROS( BANG BANG WO AI SHEN ), de Lee Kang-Sheng / TAIWAN
IDENTITY - THE TRUE STORY OF JUAN PIRAS PERON( IDENTITÀ – LA VERA STORIA DI JUAN PIRAS PERÓN ), de Chiara Bellini / ITÁLIA
IN YOUR WAKE( NOS RETROUVAILLES ), de David Oelhoffen / FRANÇA
IRINA PALM, de Sam Garbarski / BÉLGICA, LUXEMBURGO, INGLATERRA, ALEMANHA, FRANÇA
IT'S BETTER IF GABRIELA DOESN'T DIE( MEJOR ES QUE GABRIELA NO SE MUERA ), de Sergio Umansky / MÉXICO
JESUS, SPIRIT OF GOD( ISSA, ROH-E KHODA ), de Nader Talebzadeh / IRÃ
KARGER, de Elke Hauck / ALEMANHA
KAROY, de Zhanna Issabayeva / CAZAQUISTÃO
KIKE COMO EU( KIKE LIKE ME ), de Jamie Kastner / CANADÁ
LA LEON, de Santiago Otheguy / ARGENTINA, FRANÇA
LA ZONA, de Rodrigo Plá / ESPANHA, MÉXICO
LAS VIDAS POSIBLES, de Sandra Gugliotta / ARGENTINA
LONDON TO BRIGHTON, de Paul Andrew Williams / REINO UNIDO
LONGE DELA( AWAY FROM HER ), de Sarah Polley / CANADÁ
LOUCO AMOR( AUFTAUCHEN ), de Felicitas Korn / ALEMANHA
LOVE RUNS FASTER THAN BLOOD, de Hideki Kitagawa / JAPÃO
LUMO, de Bent-Jorgen Perlmutt / REPÚBLICA DEMOCRÁTICA DO CONGO, EUA
MILITARY INTELLIGENCE AND YOU, de Dale Kutzera / EUA
MOEBIUS REDUX - A LIFE IN PICTURES( MOEBIUS REDUX - EIN LEBEN IN BILDERN/ UNE VIE EN IMAGES ), de Hasko Baumann / ALEMANHA, CANADÁ
MUNYURANGABO, de Lee Isaac Chung / EUA
MUST READ AFTER MY DEATH, de Morgan Dews / ESPANHA, EUA
MY DAUGHTER, MY ANGEL( MA FILLE, MON ANGE ), de Alexis Durant-Brault / CANADÁ
NADINE, de Erik de Bruyn / HOLANDA, BÉLGICA
NINGUÉM( NOBODY ), de Shawn Linden / CANADÁ
NO REGRET( HUHWAEHAJI ANAH ), de Leesong Hee-il / CORÉIA DO SUL
O CAMINHO DOS INGLESES( EL CAMINO DE LOS INGLESES ), de Antonio Banderas / ESPANHA
O FILME DA RAINHA, de Sergio Mercurio / ARGENTINA
O PONTO VERMELHO( IL PUNTO ROSSO ), de Marco Carlucci / ITÁLIA
O PREÇO A PAGAR( LE PRIX À PAYER ), de Alexandra Leclère / FRANÇA
O QUE SEI DE LOLA( LO QUE SÉ DE LOLA ), de Javier Rebollo / ESPANHA, FRANÇA
O ZELADOR, de Daren Bartlett / REINO UNIDO
ON EVIL GROUNDS( AUF BÖSEM BODEN ), de Peter Koller / ÁUSTRIA
ON THE WINGS OF DREAMS( SWOPNODANAY ), de Golam Rabbany Biplob / BANGLADESH
PADRE NUESTRO, de Christopher Zalla / EUA
PANCHO VILLA, A REVOLUÇÃO NÃO ACABOU( PANCHO VILLA, LA REVOLUCIÓN NO HA TERMINADO ), de Francesco Taboada Tabone / MÉXICO
PERSONAL CHE, A METAMORFOSE AMBULANTE DE GUEVARA( PERSONAL CHE ), de Douglas Duarte, Adriana Mariño / COLÔMBIA, BRASIL, EUA
PONTAPÉS( KICKS ), de Albert ter Heerdt / HOLANDA
POSTCARDS FROM LENINGRAD( POSTALES DE LENINGRADO ), de Mariana Rondón / VENEZUELA
RAZORTOOTH, de Patricia Harrington / EUA
RETURN TO GOREE( RETOUR À GORÉE ), de Pierre-Yves Borgeaud / SUÍÇA, LUXEMBURGO
ROMEO & JULIETTE, de Yves Desgagnés / CANADÁ
SCREAMERS, de Carla Garapedian / REINO UNIDO, EUA
SISTERS OF NO MERCY( MEINE HÖLLE EUROPA ), de Lukas Roegler / ALEMANHA, NIGÉRIA
SNIPERS VALLEY( MÖRDERISCHER FRIEDEN ), de Rudolf Schweiger / ALEMANHA
SO LONG, MY HEART!( WIR WERDEN UNS WIEDERSEHEN ), de Stefan Hillebrand, Oliver Paulus / ALEMANHA, SUÍÇA
SOB A MESMA LUA( SOTTO LA STESSA LUNA ), de Carlo Luglio / ITÁLIA
SOMBRAS DA NOITE( AUX FRONTIERES DE LA NUIT ), de Nasser Bakhti / SUÍÇA
TEBAS, de Rodrigo Areias / PORTUGAL
THE BIG SELLOUT( DER GROSSE AUSVERKAUF ), de Florian Opitz / ALEMANHA
THE CAVE SIDE OF LIFE( IL LATO GROTTESCO DELLA VITA ), de Federica Di Giacomo / ITÁLIA
THE CREAM( LA CRÈME ), de Reynald Bertrand / FRANÇA
THE DOORMAN, de Wayne Price / EUA
THE GIRL BY THE LAKE( LA RAGAZZA DEL LAGO ), de Andrea Molaioli / ITÁLIA
THE HALFMOON FILES, de Philip Scheffner / ALEMANHA
THE HOTTEST STATE, de Ethan Hawke / EUA
THE ORCHESTRA OF PIAZZA VITTORIO( L’ORCHESTRA DI PIAZZA VITTORIO ), de Agostino Ferrente / ITÁLIA
THE OTHER( EL OTRO ), de Ariel Rotter / ARGENTINA, FRANÇA, ALEMANHA
THE SUMMER SOLSTICE, de Li Ruijun / CHINA
THE SWINGING DOLL( LA MUÑECA DEL ESPACIO ), de David Moncasi / ESPANHA
THE WAR ON DRUGS, de Sebastian J. F. / ÁUSTRIA
THE WHISPER OF THE SAND( EL RUMOR DE LA ARENA ), de Jesús Prieto, Daniel Iriarte / ESPANHA
THE YELLOW HOUSE( LA MAISON JAUNE ), de Amor Hakkar / FRANÇA, ARGÉLIA
THEY TURNED OUR DESERT INTO FIRE, de Mark Brecke / SUDÃO, CHADE, EUA
TRESSETTE - A STORY OF AN ISLAND( TRESETA ), de Drazen Zarkovic, Pavo Marinkovic / CROÁCIA
TRICKS( SZTUCZKI ), de Andrzej Jakimowski / POLÔNIA
TWO EMBRACES( DOS ABRAZOS ), de Enrique Begné / MÉXICO
UM LUGAR NO CINEMA( UN LUGAR EN EL CINE ), de Alberto Morais / ESPANHA
USED PARTS( PARTES USADAS ), de Aarón Fernández / MÉXICO, FRANÇA, ESPANHA
UTOPIA 79, de Joan Lopez / ESPANHA
VÔO LIVRE( VOGELFREI ), de Janis Kalejs, Gatis Smits, Janis Putnins, Anna Viduleja / LETÔNIA
WAR / DANCE, de Sean Fine, Andrea Nix Fine / EUA
WE ARE TOGETHER( THINA SIMUNYE ), de Paul Taylor / REINO UNIDO
WHOLETRAIN, de Florian Gaag / ALEMANHA, POLÔNIA
XXY, de Lucia Puenzo / ARGENTINA, ESPANHA
YEAR OF THE FISH, de David Kaplan / EUA

Panorama Brasil

2007-10-08T05:58:00.000-03:00

Perspectiva

Longas-metragens

ANDARILHO, de Cao Guimarães / BRASIL
BRIGADA PÁRA-QUEDISTA, de Evaldo Mocarzel / BRASIL
DESERTO FELIZ, de Paulo Caldas / BRASIL, ALEMANHA
ESTÓRIAS DE TRANCOSO, de Augusto Sevá / BRASIL
FUGA SEM DESTINO, de Afonso Brazza / BRASIL
ILUMINADOS, de Cristina Leal / BRASIL
JARDIM ÂNGELA, de Evaldo Mocarzel / BRASIL
JOGO DE CENA, de Eduardo Coutinho / BRASIL
JUÍZO, de Maria Augusta Ramos / BRASIL
MARÉ, NOSSA HISTÓRIA DE AMOR, de Lucia Murat / BRASIL, FRANÇA, URUGUAI
NOME PRÓPRIO, de Murilo Salles / BRASIL
O CINEMA DOS MEUS OLHOS, de Evaldo Mocarzel / BRASIL
O ENGENHO DE ZÉ LINS, de Vladimir Carvalho / BRASIL
OLHO DE BOI, de Hermano Penna / BRASIL
ONDE ANDARÁ DULCE VEIGA?, de Guilherme de Almeida Prado / BRASIL, CHILE
OTÁVIO E AS LETRAS, de Marcelo Masagão / BRASIL
PEQUENAS HISTÓRIAS, de Helvécio Ratton / BRASIL
RITA CADILLAC, A LADY DO POVO, de Toni Venturi / BRASIL
SÓ POR HOJE, de Roberto Santucci / BRASIL
VALSA PARA BRUNO STEIN, de Paulo Nascimento / BRASIL

Médias-metragens

CAMINHONEIROS, de Rodrigo Meirelles, Patricia Oriolo, Juarez Malavazzi Jr. / BRASIL
ESTAMIRA PARA TODOS E PARA NINGUÉM, de Marcos Prado / BRASIL

Curtas-metragens

BALADA DE UM FILME PORNOGRÁFICO, de Anita da Silveira / BRASIL
ELISE, de Fabrício Bittar / BRASIL
ELKE, de Julia Rezende / BRASIL
ESPETO, de Guilherme Marback, Sara Silveira / BRASIL
FLY, de Marcio Salem / BRASIL
JURANDO QUE VIU A PERIQUITA, de João Marcos de Almeida / BRASIL
LUCRECIA, de Cristiano Burlan / BRASIL
O CRIME DA ATRIZ, de Elza Cataldo / BRASIL
O ÚLTIMO QUARTO DE HORA, de Rodrigo Assad / BRASIL, EUA
PROCURANDO JORGE MAUTNER, de Rodrigo Bittencourt / BRASIL
RÉQUIEM, de Felipe Duque / BRASIL
SILÊNCIO, de Sérgio Borges / BRASIL
TRANSE CONFIANTE/ CONFRONTANDO A VIDA, de Inês Cardoso / BRASIL
URUBUS TÊM ASAS, de Marcos Negrão, André Rangel / BRASIL
VERÃO, de Luiz Gustavo Cruz / BRASIL

Competição

5 FRAÇÕES DE UMA QUASE HISTÓRIA, de A. Mendz, C.Azzi, C.Abud, G.Fiúza, L.Gontijo, T.Bahia / BRASIL
A CASA DE ALICE, de Chico Teixeira / BRASIL
A ILHA DA MORTE (EL CAYO DE LA MUERTE), de Wolney Oliveira / BRASIL, CUBA, ESPANHA
A VIA LÁCTEA, de Lina Chamie / BRASIL
AINDA ORANGOTANGOS, de Gustavo Spolidoro / BRASIL
CONDOR, de Roberto Mader / BRASIL
CORPO, de Rossana Foglia, Rubens Rewald / BRASIL
DIÁRIO DE SINTRA, de Paulá Gaitán / BRASIL
ESTÔMAGO, de Marcos Jorge / BRASIL, ITALIA
HERÓIS DA LIBERDADE, de Luca Amberg / BRASIL
INDO.DOC, de Leondre Campos / BRASIL
LADO B - COMO FAZER UM LONGA SEM GRANA NO BRASIL, de Marcelo Galvão / BRASIL
LÍNGUA DE BRINCAR, de Gabriel Sanna, Lucia Castello Branco / BRASIL
MEMÓRIA PARA USO DIÁRIO, de Beth Formaggini / BRASIL
MEU BRASIL, de Daniela Broitman / BRASIL
MEU NOME É DINDI, de Bruno Safadi / BRASIL
MUTUM, de Sandra Kogut / BRASIL
O BANHEIRO DO PAPA (EL BAÑO DEL PAPA), de Enrique Fernández, César Charlone / BRASIL, URUGUAI, FRANÇA
O GRÃO, de Petrus Cariry / BRASIL
O SIGNO DA CIDADE, de Carlos Alberto Riccelli / BRASIL
OS QUATRO ELEMENTOS EM SI OU O GURU SELVAGEM, de André Martinez / BRASIL
PINDORAMA - A VERDADEIRA HISTÓRIA DOS SETE ANÕES, de Roberto Berliner, Lula Queiroga, Leo Crivelare / BRASIL
PQD, de Guilherme Coelho / BRASIL
QUER SABER?, de Paulo de Tarso Disca / BRASIL
SEM CONTROLE, de Cris D'amato / BRASIL

Perspectiva | Médias e Curtas

2007-10-08T05:57:00.002-03:00

Médias-Metragens

A LONG JOURNEY HOME, de Eileen Thalenberg / CANADÁ
BEYOND SELINUNTE( OLTRE SELINUNTE ), de Salvo Cuccia / ITÁLIA
BRIDGE OVER THE WADI( GESHER AL HAVADI ), de Tomer Heymann, Barak Heymann / ISRAEL
CARTAS A UMA DITADURA, de Inês de Medeiros / PORTUGAL, FRANÇA, BÉLGICA
ESCOLHA DE CHICHESTER( CHICHESTER´S CHOICE ), de Simonee Chichester / CANADÁ, BRASIL
EVERY STEP YOU TAKE, de Nino Leitner / ÁUSTRIA, ESPANHA
GOOD COPY BAD COPY, de Andreas Johnsen, Henrik Moltke, Ralf Christensen / DINAMARCA
HOMECOMINGS( RITORNI ), de Giovanna Taviani / ITÁLIA
IRANIAN KIDNEY BARGAIN SALE( REA PÅ NJURE ), de Nima Sarvestani / SUÉCIA
KORYO SARAM THE UNRELIABLE PEOPLE, de Y. David Chung, Matt Dibble / CAZAQUISTÃO
LOVE AND WORDS, de Sylvie Ballyot / FRANÇA
MOKEN, RIGHT?, de Taryart Datsathean, Phisan Sangjan / TAILÂNDIA
ON A TIGHTROPE, de Petr Lom / CANADÁ, NORUEGA
PÉDRA. A REPORTER WITHOUT BORDERS( PÉDRA. UN REPORTER SENZA FRONTIERE ), de Villi Herman / SUÍÇA
PLANET EARTH, de Alastair Fothergill, Mark Linfield / REINO UNIDO
PRIMROSE HILL, de Mikhaël Hers / FRANÇA
R-EXISTENCE - WOMEN FROM THE SOUTH( R-ESISTENZE - DONNE DEL SUD ), de Marco Pasquini / ITÁLIA
STRAWBERRY FIELDS( SADOT ADUMIM ), de Ayelet Heller / ISRAEL
THE EMERALD EMPIRE, de Aida Martinez Pineda / COLÔMBIA
THE LAST JEWS OF LIBYA, de Vivienne Roumani-Denn / EUA
THE STUDENT'S HAPPY LIFE IN ART SCHOOL, de Yu Zhou / CHINA

Curtas-metragens

200000 PHANTOMS( NIJUMAN NO BOREI ), de Jean-Gabriel Périot / FRANÇA
A MOMENT, de Valeria Ruiz / REINO UNIDO
A RED RECIPE TO COOK CRUSTACEANS( UNA RECETA ROJA PARA COCINAR CRUSTACEOS ), de Eun Hee Ihm / MÉXICO
ANA´S WAY( EL CAMINO DE ANA ), de Richard Vazquez / ESPANHA
CASA, de Ali Benkirane / FRANÇA, MARROCOS
DADDY-O, de Esben Larsen / DINAMARCA
DUNK, de Patrick Bagot / FRANÇA
ETERNALLY YOURS( FUROCHOJU ), de Atsushi Ogata / JAPÃO
EVEN IN DREAMS( MEME EN REVE ), de Alice Taylor / FRANÇA
FIRM BRO!( ¡FIRMES CARNAL! ), de Octavio Gasca / MÉXICO
FOUND OBJECTS, de David Birnbaum / CANADÁ
GRANDMA( AH MA ), de Anthony Chen / CINGAPURA
GREEN MERCEDES( MERTSEDES YERUKA ), de Sarit Zarivach / ISRAEL
HOTEL CHEVALIER, de Wes Anderson / EUA
HOTEL PARADISO, de Florian Röser / ALEMANHA
I, de Luke Losey / REINO UNIDO
IF I FALL( JOS KAADUN ), de Hannaleena Hauru / FINLÂNDIA
IMPRUDENCE( L'IMPRUDENCE ), de Katell Quillévéré / FRANÇA
INTIMACY( INTIMITÀ ), de Matteo Minetto / FRANÇA
É O QUE VOCÊ USA( TOUT EST QUESTION DE FRINGUES ), de Jayro Bustamante / FRANÇA
KALEIDOSKOP, de Thierry Espasa / FRANÇA
LIKE FATHER, LIKE DAUGHTER( TEL PÈRE, TELLE FILLE ), de Sylvie Ballyot / FRANÇA
MAGMA, de Vicente Navarro / ESPANHA
MANON NO ASFALTO( MANON SUR LE BITUME ), de Elizabeth Marre, Olivier Pont / FRANÇA
MENTIRAS, de Nick Higgins / MÉXICO
NA LUA( DANS LA LUNE ), de Esteben Chacón / FRANÇA
NASIJA, de Guillermo Rios / ESPANHA
O PEQUENO MARTIN( LE PETIT MARTIN ), de Violaine Bellet / FRANÇA
OTRA FORMA DE VOLAR, de Alfredo Garcia Revuelta / ESPANHA
PIRANHA, de Irina Goundortseva / AUSTRÁLIA
RUPTURA( PECH ), de Mathijs Geijskes / HOLANDA
SAM AND PICCOLO, de Adam Walker / AUSTRÁLIA
SEA OF TRANQUILITY, de JP Bolles / EUA
SECRETS & LIES, de Che Jiyoung / CORÉIA DO SUL
SEREIA, de Jose Maria Vaz da Silva / PORTUGAL
SMILING DOG( DER LACHENDE HUND ), de Shohreh Jandaghian / ALEMANHA
SONGS IN THE KEY OF DEATH, de Aleks Bryant / AUSTRÁLIA
STRING, de Naomi Wright / REINO UNIDO
TÃO FELIZ QUANTO EDWARD( HEUREUX QUI COMME EDOUARD ), de Franck Lebon, Vincent Burgevin / FRANÇA
THE PARABOLIC DISH( LA PARABOLICA ), de Xavi Sala / ESPANHA
THE RED GOLD( L'ORO ROSSO ), de Cesare Fragnelli / ITÁLIA
TOGETHER( VMESTE ), de Denes Nagy / HUNGRIA
TRABALHO DO AMOR( LOVE'S LABOUR ), de Natasha Pincus / AUSTRÁLIA
TRACKS, de Martin Smith / ESCÓCIA
UM OLHAR( UN REGARD ), de Alexis Mallet / FRANÇA
UNDER CONSTRUCTION, de Zhenchen Liu / FRANÇA
WOMEN OF DORFAK( ZANAN -E- DORFAK ), de Mohammad Nami / IRÃ

+ Filmes

2007-10-08T05:56:00.000-03:00

SESSÕES ESPECIAIS

BRAND UPON THE BRAIN, de Guy Maddin / CANADÁ, EUA
A IDADE DA TERRA, de Glauber Rocha / BRASIL
TABU, de Friedrich Wilhelm Murnau / EUA, ALEMANHA
O PASSADO, de Hector Babenco / BRASIL, ARGENTINA – filme de abertura da 31ª Mostra
LOST, LOST, LOST, de Jonas Mekas / EUA – cópia restaurada
O FILME DE NICK( NICK'S MOVIE ), de Nicholas Ray, Wim Wenders / ALEMANHA
GAROTO CÓSMICO, de Alê Abreu / BRASIL

FÉRID BOUGHÉDIR - MEMBRO DO JÚRI

HALFAOUINE( ASFOUR STAH ), de Férid Boughédir / FRANÇA, TUNÍSIA
VERÃO EM LA GOULETTE( UN ETÉ À LA GOULETTE ), de Férid Boughédir / FRANÇA, BÉLGICA, TUNÍSIA

ZÉ DO CAIXÃO

ENCARNAÇÃO DO DEMÔNIO, de José Mojica Marins / BRASIL – inédito - trechos
ESTA NOITE ENCARNAREI NO SEU CADÁVER, de José Mojica Marins / BRASIL
À MEIA-NOITE LEVAREI SUA ALMA (média-metragem), de José Mojica Marins / BRASIL

RETROSPECTIVA JIA ZHANG-KE

Longas-metragens

DONG, de Jia Zhang-Ke / CHINA, HONG KONG
EM BUSCA DA VIDA( SANXIA HAOREN ), de Jia Zhang-Ke / CHINA, HONG KONG
INÚTIL( WU YONG ), de Jia Zhang-Ke / HONG-KONG, CHINA
O MUNDO( SHIJIE ), de Jia Zhang-Ke / CHINA
PICKPOCKET( XIAO WU ), de Jia Zhang-Ke / CHINA, HONG KONG
PLATAFORMA( ZHANTAI ), de Jia Zhang-Ke / CHINA, JAPÃO, FRANÇA
PRAZERES DESCONHECIDOS( REN XIAO YAO ), de Jia Zhang-Ke / CHINA, JAPÃO, CORÉIA, FRANÇA

RETROSPECTIVA JEAN PAUL CIVEYRAC

Longas-metragens

ATRAVÉS DA FLORESTA( À TRAVERS LA FORÊT ), de Jean Paul Civeyrac / FRANÇA
FANTASMAS( FANTÔMES ), de Jean Paul Civeyrac / FRANÇA
NEM DE EVA, NEM DE ADÃO( NI D'ÈVE NI D'ADAM ), de Jean Paul Civeyrac / FRANÇA
O DOCE AMOR DOS HOMENS( LE DOUX AMOUR DES HOMMES ), de Jean Paul Civeyrac / FRANÇA
OS SOLITÁRIOS( LES SOLITAIRES ), de Jean Paul Civeyrac / FRANÇA
TODAS AS BELAS PROMESSAS( TOUTES CES BELLES PROMESSES ), de Jean Paul Civeyrac / FRANÇA

Curtas

A VIDA SEGUNDO LUC( LA VIE SELON LUC ), de Jean Paul Civeyrac / FRANÇA
A FACE BELA DA TRISTEZA( TRISTESSE BEAU VISAGE ), de Jean Paul Civeyrac / FRANÇA

SELEÇÃO CLAUDE LELOUCH

A CORAGEM DE AMAR( LE COURAGE D’AIMER ), de Claude Lelouch / FRANÇA
CRIMES DE AUTOR( ROMAN DE GARE ), de Claude Lelouch / FRANÇA
ITINERÁRIO DE UM AVENTUREIRO( ITINERAIRE D'UN ENFANT GÂTÉ ), de Claude Lelouch / FRANÇA, ALEMANHA
OS MISERÁVEIS( LES MISERABLES ), de Claude Lelouch / FRANÇA
RETRATOS DA VIDA( LES UNS ET LES AUTRES ), de Claude Lelouch / FRANÇA
RENDEZ-VOUS( C'ETAIT UN RENDEZ-VOUS ), de Claude Lelouch / FRANÇA
TEM DIAS DE LUA CHEIA( IL Y A DES JOURS... ET DES LUNES ), de Claude Lelouch / FRANÇA
TOUT ÇA POUR ÇA, de Claude Lelouch / FRANÇA, CANADÁ
UM HOMEM, UMA MULHER( UN HOMME ET UNE FEMME - VINGT ANS DÉJÀ ), de Claude Lelouch / FRANÇA

SELEÇÃO FESPACO | CINEMA AFRICANO

Longas-metragens
ALI ZAOUA, de Nabil Ayouch / MARROCOS
AS MIL E UMA MÃOS( LES MILLE ET UNE MAINS ), de Souhel Benbarka / MARROCOS
BAARA, de Souleymane Cissé / REPÚBLICA DE MALI
BUUD YAM, de Gaston J-M Kaboré / REPÚBLICA DO BURQUINA FASSO
DJELI, de Fadika Kramo-Lanciné / COSTA DO MARFIM
DOCUMENTOS( PIECES D´IDENTITES ), de Mweze Dieudonné Ngangura / REPÚBLICA DEMOCRÁTICA DO CONGO
DRUM, de Zola Maseko / ÁFRICA DO SUL
EM NOME DO CRISTO( AU NOM DU CHRIST ), de Roger Gnoan M´Bala / COSTA DO MARFIM
FINYÉ, de Souleymane Cissé / REPÚBLICA DE MALI
GUIMBA - UM TIRANO, UMA ÉPOCA( GUIMBA - UN TYRAN, UNE EPOQUE ), de Cheick Oumar Sissako / REPÚBLICA DE MALI
HERANÇA ÁFRICA( HERITAGE AFRICA ), de Kwaw Ansah / REPÚBLICA DE GANA
HEREMANOKO - ESPERANDO A FELICIDADE( HEREMAKONO - EN ATTENDANT LE BONHEUR ), de Abderrahmane Sissako / REPÚBLICA ISLÂMICA DA MAURITÂNIA
HISTÓRIA DE UM REENCONTRO( HISTOIRE D´UNE RENCONTRE ), de Brahim Tsaki / ARGÉLIA
MUNA MOTO, de Jean-Pierre Dikongué-Pipa / REPÚBLICA DOS CAMARÕES
SARRAOUNIA, de Med Hondo / REPÚBLICA ISLÂMICA DA MAURITÂNIA
TILAÏ, de Idrissa Ouedraogo / REPÚBLICA DO BURQUINA FASSO

Média-metragem
LE WAZZOU POLYGAME, de Oumarou Ganda / NIGÉRIA